De ce casting ambitieux, plus qu’Emma Mackey et Vicky Krieps, c’est finalement l’actrice irlandaise Fiona Shaw qui tire le mieux son épingle du jeu en mère hypocondriaque et acariâtre, cherchant à garder sous sa coupe sa fille, dont elle est devenue totalement dépendante.
Réflexion sur ce qui nous unit aux autres et à notre environnement autant qu’exploration de l’évolution du vivant, ce huis clos poétique et sensuel autant qu’inquiétant pourrait ravir les amateurs d’univers originaux qui nous emmènent loin au cœur d’un imaginaire fécond.
Frederik Louis Hviid signe un long-métrage d’une tension maîtrisée qui, à l’aide de plans-séquences ou de scènes au montage nerveux, nous replonge dans la préparation minutieuse et l’exécution du braquage.
Benicio Del Toro, blessé et couturé de partout, est l’impérial Zsa-Zsa Korda, père foireux, mais non dépourvu d’un fort charisme. L’actrice britannique Mia Threapleton, fille de Kate Winslet et du réalisateur Jim Threapleton, campe la bonne sœur Liesl.
La violence qui surgit dans Chime n’est finalement que l’expression d’une artificialité ontologiquement scandaleuse, celle caractérisant le lien qui unit maître et élève, tel qu’il s’actualise dans les cours professés par Matsuoka, ou celui unissant aussi le salarié et son employeur, tel qu’il se met en scène dans ses entretiens d’embauche.
Une poignante chronique du réel.
Cédric Klapisch réussit un film rassembleur, divertissant, posant un regard distancié sur le milieu artistique de la fin du XIXe siècle.
La relative réussite de cet opus tient à une chose toute bête : Lilo & Stitch n’est pas un conte de fées, mais un récit ancré sur un territoire, une petite île hawaïenne où vivent de vraies gens.
S’appuyant sur l’aspect humain plus que politique de ces anciens ennemis devenus la même cible du nouveau régime, Tudor Giurgiu saisit quelque chose du chaos intime qui a accompagné ce bouleversement historique.
Empreint d’une certaine noirceur, le film n’édulcore rien de la violence de rapports sociaux dévoyés par les codes de la virilité. A une approche purement spectaculaire, Antoine Besse préfère une forme de classicisme authentique pour creuser les failles de ses personnages confrontés à l’ennui et à la dureté du monde rural.
Sous ses apparences labyrinthiques, Les Maudites vaut d’abord pour son goût des personnages, l’attention qu’il prête à ses jeunes héroïnes, la netteté avec laquelle chacune se succède dans ce grand tableau de l’adolescence, âge hanté par des temporalités qui le dépasse.
Le second volet de « Dead Reckoning » et huitième film des aventures d’Ethan Hunt et de son équipe déroule son lot de cascades, de trahisons et de morceaux de bravoure sans éviter l’usure du temps.
Le film met en scène son retour dans la famille, alors que son père est à l’article de la mort. Le rêve d’une « transmitzvah » refait alors surface, mais le film, glissant dans un baroque de plus en plus invraisemblable, peine à tenir la route.
La mise en scène, hélas, privilégie les images chocs et chatoyantes, notamment dans ces maisons closes en Inde, où des mères, de génération en génération, prostituent leurs toutes jeunes filles, les donnant au plus offrant, au nom d’un rituel ancien.
Guidé par la voix off du protagoniste, innocent aux mains sales, le récit ambitionne de nous entraîner, jusqu’à l’explosion de violence finale, dans les remugles de la société, calquant sa dynamique sur celle du canonique Taxi Driver de Martin Scorsese, sans jamais dépasser la dimension épigonale.
Avec sa mise en scène attentive à chaque petit détail et son humour noir, Caye Casas parvient à nourrir la tension dramatique tout en nous faisant partager l’effondrement psychologique de son protagoniste peu à peu acculé à affronter une impossible vérité.
Simon Verhoeven, qui a connu Fab Morvan et Rob Pilatus avant même leur heure de gloire, quand il était adolescent à Munich, cherche à rendre leur vérité à chacun des acteurs de cette histoire, quitte à soumettre plusieurs versions contradictoires d’une même anecdote.
L’écrivain Javier Cercas avait tiré un livre de cette histoire, L’Imposteur, paru en France chez Actes Sud en 2015. En la transposant au cinéma, les réalisateurs Aitor Arregi et Jon Garaño tentent de suivre fidèlement le parcours d’un personnage s’accrochant, avec de plus en plus de véhémence et de moins en moins de solidité, à la fable de son internement.
Si le cinéma de la réalisatrice, Amélie Bonnin, venue du documentaire, s’attache à créer des liens, Partir un jour est davantage une romance, teintée de sororité (autour d’une grossesse non désirée), qu’un tableau de l’arrière-pays. Les tubes viennent relancer un récit qui manque parfois de vigueur.
Un horizon Quentin Dupieux était peut-être ici visé. Hélas, au cours d’une suite de péripéties atones, la fillette passe son temps à surjouer, le gentil robot à l’air bête à débiter des platitudes, et Blanche Gardin à insulter le robot dans une imitation ratée de ses propres prestations scéniques.