Adapté de leur pièce de théâtre, le film de Kornél Mundruczó et Kata Wéber use avec maestria des ressources du cinéma pour donner à l’horreur et à son legs la forme fascinante d’un conte.
L’aventure, souterraine, évoque un cauchemar débridé, où l’on suit les innombrables tribulations d’un humain du futur, envoyé en mission pour découvrir les secrets de la reproduction chez des mutants qui grouillent sous la surface. Et si ce résumé vous semble déja nébuleux et farfelu, attendez de voir le film…
Un agréable divertissement, même pour les spectateurs qui ne seraient pas familiers de cet univers foisonnant de personnages récurrents et de références aux aventures précédentes.
Ce qui rend les personnages attachants, c’est leur quête de vérité : lui, par un langage sans fard, elle, par des opérations coups de poing pour dire la réalité brute.
De concerts en dédicaces, le film tourne, malgré les bonnes intentions, à l’exercice d’autocélébration. Et la mise en scène atone affaiblit les séquences chantées, notamment les impros, si stimulantes soient-elles.
Si les personnages trouvent une profondeur inattendue, c’est qu’ils existent moins par leur fonction que par leur passion : une crémière magicienne, ou un vendeur de magasin de bricolage, sosie de Dalida.
Le film, riche de péripéties, est adapté d’un manga. Fukada en a tiré d’abord une série en dix épisodes. Le succès aidant, il a décidé de la réduire, pour le cinéma, en diptyque. Suis-moi je te fuis est le premier volet. Le second, Fuis-moi je te suis, arrive la semaine prochaine. On s’en réjouit.
Comme la centrale, cet Été nucléaire a pourtant des ratés et frôle parfois la série Z. C’est l’atmosphère extérieure que le réalisateur réussit le mieux à filmer, notamment dans ces plans sur une campagne paisible, théâtre d’un sentiment de panique infinie, comme dans La Mort aux trousses.
Le réalisateur futé de Coup de foudre à Notting Hill et d’Un week-end à Paris peut s’appuyer sur la performance pleine de truculence de Jim Broadbent, parfait en héros ordinaire, devenu populaire lors de son procès. À ses côtés, Helen Mirren excelle en pilier de la famille, faussement revêche.
À travers le sort de quatre femmes, trois patientes et une médecin, réunies dans un hôpital psychiatrique de Casablanca, c’est toute la société marocaine qu’ausculte Mohamed Nadif dans ce deuxième long métrage qui fait la part belle à la sororité. Armé des meilleures intentions, il donne malheureusement l’impression de cataloguer les drames — inceste, mariage arrangé, deuil… — dans une mise en scène scolaire.
Fiction et réalité se mélangent, la création est toujours déjà commencée et jamais finie, il n’y a pas de coulisses et pas de feuille blanche… Cette intensité tourbillonnante, on est heureux de pouvoir la partager.
Avec ses (légers) accents de thriller et ses belles images de nature, cette chronique sociale se distingue par son point de vue à hauteur d’enfant. Rien de révolutionnaire à l’horizon mais une occasion supplémentaire d’admirer Nadia Tereszkiewicz, la formidable Babysitter de Monia Chokri (à l’affiche), en attendant de la retrouver chez Valeria Bruni Tedeschi dans Les Amandiers.
Gracieusement interprété, cet hommage à la puissance des traditions et à l’énergie de la jeunesse laisse, comme le voyage à son héros, de jolies notes d’humanité.
Le film, riche de péripéties, est adapté d’un manga. Fukada en a tiré d’abord une série en dix épisodes. Le succès aidant, il a décidé de la réduire, pour le cinéma, en diptyque. Suis-moi je te fuis est le premier volet. Le second, Fuis-moi je te suis, arrive la semaine prochaine. On s’en réjouit.
Tranchées s’impose ainsi comme une œuvre de cinéaste. Du fait de partis pris esthétiques affirmés (de ses travellings avant, comme un leitmotiv, à son image noir et blanc au format carré, qui passe brièvement à la couleur lors d’un retour à la vie civile…), mais pas seulement.
Voilà un beau portrait d’adolescent face à ses défis et risquant le renoncement, porté par la performance d’un acteur débutant qui est aussi un authentique et spectaculaire champion de malambo…
Nitram est incarné par le comédien américain Caleb Landry Jones (remarqué, entre autres, dans Get Out, de Jordan Peele, ou encore 3 Billboards, les panneaux de la vengeance, de Martin McDonagh), si dérangeant, si formidable dans son opacité poisseuse qu’il a amplement mérité son prix d’interprétation à Cannes en 2021.
Un visa pour la liberté recèle une galerie de portraits bouleversants d’hommes en lutte, qui partagent leurs découragements, leur grande solitude, mais aussi et surtout leur force lumineuse.
Cette dimension fantastique, calquée sur les croyances des personnages, appauvrit considérablement les enjeux du récit, déjà mince.
La narration n’est, malheureusement, pas à la hauteur de la mise en scène, avec un récit trop prévisible pour convaincre, des dialogues trop explicatifs et des personnages archétypaux.