Avis sur L'Île aux chiens

Dans le registre du film d'animation, c'est quelque chose de très particulier créateur d'ambiance. Par un tour de passe passe de mise en scène le spectateur comprendra le langage "chien", ce qui n'est vraiment pas déplaisant et permet de s'immerger vraiment dans cette fable. Bien sûr, il y un message et toute ressemblance avec des sujets sociétaux n'est pas une coïncidence. Pour adulte essentiellement. Un trop jeune public risquerait de ne pas saisir le message subliminal sauf à l'accompagner dans sa compréhension. Après tout, c'est bien ce que les adultes éducateurs font lors de la lecture de certains livres dits d'enfants.

Nouveau film de Wes Anderson, je me suis laissée tenter même si ce type de format n'est pas ma tasse de thé. Il est vrai que niveau réalisation du film, c'est du bon boulot. La technique de stop motion est précise et joue sur les détails, on sait le temps énorme que cela prend et je n'en reste pas moins impressionnée. L'histoire en elle-même est originale, une île où les pauvres chiens sont condamnés à y survivre suite à une épidémie canine. L'arrivée du petit pilote va donc forcément bouleverser le cours des choses et s'ensuit un grand périple. Message à la clef et dénonciation politique, le tout dans un univers Japonais où tout n'est pas traduit, ça casse un peu les codes du simple film, c'est certain. Ce n'est pas forcément mon type de film favori, mais j'ai été tout de même attendrie par tous ces toutous. Une jolie curiosité.

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Le Citizen Canin de l'animation.

Et si le Cinéma de Wes Anderson n’était en fait qu’une psychanalyse silencieuse ? Ou plutôt, disons le autrement, une science des rêves en éveils ? Car, de sa cohérence dans le foisonnement et l’apparence de l’absurde, chacune de ses œuvres relève ainsi aussi bien de l’insaisissable que de l’universelle évocation. Des ballades en perspectives et en volume, visuelles comme musicales, où se réchauffent les cœurs et s’expriment les regards : là où s’érigent des émotions en géométrie variable, dans des cadres méthodiques, ne resterait finalement que le tracé d’une vie, comme mise en chanson, dans la douce folie du temps.

Puisque de cette plastique où le seul plan suffit parfois à faire corps avec son cinéaste, l’essentiel serait dans son contraste : cette fragilité des sentiments dans un univers où les codes structurés viennent intensifier les désordres émotionnels de ses personnages. Des figures constamment emplies d’un manque, d’une mélancolie, guidées par l’accomplissement d’un désir dans un contenu qui ne cesse de le refouler. Comme le reflet d’un imaginaire face à l’Humain, de l’humain face au monde, dans ce qu’il a de plus cruel, de plus bienveillant et de plus naturel.

Et de cet ordre si symptomatique de sa propre singularité, Wes Anderson s’évertue à en révéler les blessures, là où l’inconscient ne fait que les atténuer. Le propre du rêve donc, dans une fuite constante vers un ailleurs où s’harponnent les sentiments, et où s’érige le temps de l’illusion. Car qu’il s’agisse d’un renard en animation ou d’un bonnet rouge dans le cinéma de sa propre aventure, tout n’est qu’une question d’illusion. Une sorte de réel en dérivation pour retranscrire l’éclat ou l’obscurité d’une réalité, d’une actualité et d’une vérité. Isle Of Dogs fait plus que jamais parti de ce rêve lucide sur un monde en lignes de fuite : une terreur nocturne, où l’enfance et l’esprit canin constituent les seules lumières pour nous sortir de ce cauchemar fait de déchets et de rejets.

Car Isle Of Dogs s’analyse avant tout comme une prise de risque pour Wes Anderson. Sous ce maniérisme unique et artisanal, l’ampleur de sa démarche n’a d’égale que la portée politique de son œuvre : il ne s’agit plus de capter les fractures d’une famille dysfonctionnelle, mais celles d’un monde dysfonctionnel. Un macrocosme où les teintes pastelles et les crabes berlingots s’assombrissent dans un nuage de pollution, aussi bien idéologique qu’environnementale. Puisque cette île, où l’on rejette la « vermine » sous prétexte d’une grippe canine, se veut faire l’écho des heures les plus sombres de l’Histoire : du plan Madagascar à sa solution finale, l’exil des canidés n’est que le miroir de tous ces opprimés à travers le monde ; et du traitement inhumain qu’une « élite » leur réserve.

Et en cela, sa mise en scène au cordeau rend la notion d’ordre d’autant plus pertinente qu’elle s’inscrit dans une forme de totalitarisme : des cadres fixes et de nombreuses plongées/ contre-plongées pour en retranscrire les relations de domination et de soumission ; à la manière d’un Fantastic Mr. Fox, où se révélait l’animalité des hommes dans un monde semblable à une ferme aux animaux, lieu où s’exerçaient des relations d’ascendance et d’oppression. Au point que le récit s’en trouve rapidement remanié en dystopie, dans la mesure où l’aura fasciste de sa société érige un Big Brother en figure de maire et une sorte de Frankenstein tout droit sorti de l’univers Tim Burton en figure d’associé diabolique.

Et dans ce climat totalitaire, un seul regard au patronyme du maire suffit à comprendre la pensée d’Anderson : Kobayashi, à défaut d’être le plus grand mangeur du monde (dont la nourriture serait ici le contrôle de son peuple), renvoie directement au cinéaste japonais rendu célèbre pour son illustre Hara-Kiri, œuvre dans laquelle la société japonaise traditionnelle était déjà mise à mal par sa remise en question. Une figure de chef empreinte d’ailleurs d’un écho saisissant au Citizen Kane d’Orson Welles : d’un culte de la personnalité par la grandeur de son faciès affiché à l’envie de contrôle étatique, la manipulation des foules passe par la démesure, mais surtout par le discours de sa figure. Des déclarations non sans rappeler la vision de certains politiques, là où le bavardage se bâtit sur des murs et la peur de l’étranger, tout en prônant un certain conservatisme.

Le Cinéma de Wes Anderson n’a ainsi jamais été aussi sombre, et cette soudaine violence thématique en surprendra plus d’un. L’atmosphère pop n’est plus qu’une musique à tonalité rompue, entre tambours folkloriques et un planant et harmonieux « I Won’t Hurt You » du West Coast Pop Art Experimental Band. D’autant plus que le cadre de l’animation agit comme une sorte d’antithèse ou plutôt d’adoucisseur face à l’univers dépeint. Et pourtant, à cette déportation canine, s’animent des chiens dépouillés de leur humanité, victimes de la cruauté animale et des expérimentations scientifiques (non sans un certain écho à l’unité 731 et ses crimes contre l’humanité); sauvages, maigres, les yeux exorbités, au seuil de la folie, du cannibalisme et de la mort.

Anderson semble d’ailleurs vouloir y injecter une légère critique du modernisme : de son intérêt pour le manuel, le matériel et le charme d’antan, il y oppose ces chiens de ferraille et sans poils. Comme un inversement dans le reflet de son Fantastic Mr Fox : contemplant la grandeur naturelle du Loup et sa liberté dans l’animalité, Chief en est réduit ici à fixer une forme de canidé qu’il ne peut renifler ; un chien mécanique, une force créée par la main de l’Homme, qui dans la même posture et cadre que le loup, s’impose à la domination naturelle. Tout comme cette idée d’un monde où la surconsommation a conduit à la création d’une île poubelle, une décharge où se rejettent les parias et le bon sens. Heureusement, le pessimisme de Wes Anderson ne dure qu’un temps.

De la figure du chien, en ressort le désir inné de faire plaisir. Des chiens qui, malgré leur condition, se veulent porteurs d’idéaux unificateurs. Chercher à s’apprivoiser, à se connaître et à domestiquer son inconscient. Des Chiens qui deviendraient plus « humains » que les maîtres : des adultes comme tous les pères du Cinéma d’Anderson, figés dans leur propre blessure, et leur ignorance de l’enfance. Une enfance que l’on enterre d’ailleurs pour la lutte, et la révolution ; comme en témoigne la résistance emmenée par un groupe d’étudiants, la jeune américaine puis Atari. Un deuil de l’innocence pour la sauvegarde des derniers idéaux d’humanité : la jeunesse s’impose alors, par son envie de changer les choses, comme une graine démocratique dans une terre infestée par les pesticides du capitalisme. Néanmoins, de cette enfance à perte, restent le spleen de son aventure, et les thématiques caractéristiques aux œuvres de son réalisateur.

Car, dans chacune des ses œuvres, Anderson n’a jamais cessé d’explorer la notion de famille : de l’impossibilité d’en créer une aux dysfonctionnelles relations entre ses membres, le développement de ses œuvres aboutissait toujours en une forme de réunion, qu’il s’agisse d’équipage ou de fraternité, d’amour ou d’amitié, du moment que le collectif triomphait des solitudes et des blessures individuelles. Isle of Dogs ne déroge pas à cette règle : un portrait de famille dans la mesure où le clan des chiens développe un lien particulier au fil du récit, entre protection, engagement pour le groupe, et bienveillance dans l’entraide. Une famille que l’on se choisit en somme. Des chiens à la recherche d’un maître, d’un père finalement. Et en soi, Chief qui se voudrait être le « père » / maître des chiens, se retrouve à devenir le chien de son maître, un fils sans père qui finit par le retrouver dans une quête canine, entre jeu du bâton et tendresse dans la liaison.

Cependant, là où Wes Anderson excellait dans la caractérisation complexe de ses personnages, Isle Of Dogs manque peut-être de subtilité dans l’émotion, et notamment vis-à-vis de ses personnages humains. Entre la facile rédemption du maire ou le manque d’attachement à Atari, seuls les chiens arrivent à transmettre ce souffle de vie et de mélancolie. Peut-être que l’incompréhension liée au procédé de non-doublage des humains contribue à cette sous-expressivité ? Mais en même temps, cette prise de risque renforce le décalage entre animalité et humanité au point d’inverser les rapports et les points de vue. Quoiqu’il en soit, Isle Of Dogs est définitivement un film de voix : de la tendresse insoupçonnée dans le timbre vocal de Bryan Cranston à la douce fragilité d’une Scarlett Johansson (s’exprimant sur l’amour d’un chien pour un enfant), Anderson élève son incroyable casting de voix (Edward Norton, Jeff Goldblum, Liev Schreiber, Bill Murray ou encore Greta Gerwig) dans le cœur même de son animation.

La finesse est dans chaque instant tout comme la poésie est dans chaque détail. L’animation nourrit ainsi l’obsession d’Anderson pour les détails dans la mesure où chaque plan se compose selon le bon vouloir de celui qui le crée : un contrôle total sur son visuel pour un résultat à la maniaque splendeur (le making-of fascine par ce don de vie à ces marionnettes en mouvement). Et malgré l’identité qu’il y déploie, Wes Anderson parvient à se réinventer à chaque film tout en y imposant une cohérence. En investissant l’harmonie de l’espace pour se détacher d’un réel désordonné, il insuffle à son décor un doux parfum d’orient et d’ailleurs.

Les plus cinéphiles y verront probablement des références à Kurosawa (à la manière des Sept Samouraïs) ou à Ozu, à une culture japonaise traditionnelle où le raffinement est roi, là où la mise en scène d’Anderson s’allie aux estampes d’Okuzaï. Une iconographie unique, de textures et de mouvements, où s’invitent la poésie de Saint-Exupéry (et du petit aviateur du soleil levant) et l’absurde mystérieux de Jérôme Bosch. Jusqu’à ce que le haïku nous embrasse et nous murmure cette science des rêves, où les couleurs s’assombrissent pour mieux en dévoiler l’humanisme. Stop (é)motion, arrêt sur un mouvement qui se perd, celui d’un temps, d’une poésie passée, où les enfants n’étaient pas encore des adultes en devenir.

Et même s’il ne réitère pas la magie et la magnificence de son Grand Budapest Hotel ou de sa Vie Aquatique, Wes Anderson n’en demeure pas moins un fabuleux conteur d’histoires, dont la pureté et la singularité résideraient dans ce style inimitable de perfection dans la composition : travellings latéraux et verticaux, humour en décalage, récit faussement embrouillé, découpage chapitré, quête paternelle, patine nostalgique, enfance à l’épreuve d’un temps, tous les motifs y sont répétés, mais dans un degré de renouvellement tel que chaque instant y trouve un nouvel écho. L’île aux Chiens apparaît alors comme une toile de maître, sur la difficile communication dans un monde où la tolérance est mise à mal et où le seul moyen de réveiller les consciences réside en l’approche de l’Autre. Et de son Cinéma Atlantide (une perle unique dans un océan de conformisme) à croquettes consommées, Wes Anderson poursuit son voyage vers un ailleurs où la gravité des questionnements contemporains et la dérision dans la douleur se mêleraient au rêve, à la récréation et à une poésie dans la déprime. Pour la justesse des sentiments et un temps à rattraper.

Critique à lire également sur Le Blog Du Cinéma.

Au début on est bluffé par la créativité et la précision de Wes Anderson, et puis....le temps passe, le scénario ne justifie aucunement la durée du film, la deuxième partie devient répétitive. On se félicite de ne pas avoir amené d'enfants qui auraient fini par dormir ou ronchonner. Bien évidemment on comprend toutes les allégories, mais des allégories n'ont jamais fait un film passionnant. Encore un film dont il aurait fallu couper au moins une demi-heure. Dommage.

Le Cinéma de Wes Anderson ne m'a jamais réellement charmé, trop policé et sans relief, il ne s'apparente pour moi qu'à une jolie série de saynètes sans grand relief. Or la réussite de fantastic mr fox prouvait son aisance dans le domaine de l'animation. Réussite magistrale bourre d'inventivité et de poésie, ce film laissait présager le meilleur pout cette île aux chiens visuellement grandiose. La beauté du stop motion, l'intelligence du propos, le mélange d'humour et d'émotion en font une belle réussite même si les personnages auraient mérité un meilleur développement et que le scénario réserve au final peu de surprises. Néanmoins l'imaginaire foisonnant du cinéaste, son sens du dialogue et le caractère épique de certaines séquences forcent le respect. L'île aux chiens est doux et tonique, c'est un film qui plaira autant aux enfants qu'aux adultes, et même si c'est en dessous de fantastic mr fox, ca reste sans doute l'un des meilleurs films d'Anderson.

Dans un Japon dystopique, situé dans les années 2040, le maire Kobayashi prend prétexte d'une épidémie de grippe canine pour bannir les chiens de la ville de Megasaki sur une île transformée en immense dépotoir. Malade, affamée, la population canine y survit misérablement.
Jusqu'au jour où atterrit le jeune Akira, le propre neveu du maire Kobayashi, qui a décidé de retrouver son fidèle compagnon Spots. Il sera aidé dans sa quête par un bande de cinq chiens débrouillards.

Wes Anderson est de retour. Youpi ! Voilà plus de quatre ans qu'on attendait le nouveau film du réalisateur de "Grand Hotel Budapest" qui avait laissé critiques et spectateurs friser l'orgasme cinématographique - sauf moi toujours peine-à-jouir. C'est peu dire que le réalisateur de "La Famille Tenenbaum", "La Vie aquatique", "À bord du Darjeeling Limited", "Fantastic Mr. Fox", "Moonrise Kingdom" a acquis de film en film une célébrité grandissante. Célébrité méritée devant la profonde originalité de son œuvre reconnaissable au premier coup d’œil : plans taillés au cordeau, couleurs pastels, esthétique rétro, refus de toute psychologie pour raconter à un rythme d'enfer des histoires de familles désunies, de génies incompris, d'enfants facétieux et d'adultes infantiles.

Tout le cocktail est réuni dans "L'Île aux chiens", tourné en stop motion comme l'était huit ans plus tôt "Fantastic Mr. Fox". La technique colle comme un gant à l'esthétique du grand (1m85) Texan. Il la maîtrise avec une perfection indépassable. Car tout est parfait dans "L'Île aux chiens" : la richesse luxuriante du moindre des plans, le velouté des pelures, les grands yeux expressifs des toutous, l'humour gentiment absurde, la richesse rebondissante de l'intrigue...

Tout est parfait... et rien ne me touche vraiment dans cette histoire trop proprette de petit-garçon-qui-a-perdu-son-gentil-toutou. Et ce n'est pas l'arrière fond vaguement politique (la dictature, le racisme, la détention arbitraire...), qui pour la première fois fait timidement son entrée dans l’œuvre jusqu'alors strictement parnassienne (ça tombe bien : Wes Anderson pose ses valises rue du Regard quand il vient à Paris) du maître texan, qui m'aura convaincu. J'ai beau admirer l'exceptionnel savoir-faire du cinéaste, je reste de marbre face à son cinéma.

Une belle aventure, des chiens attachants et une maîtrise des dialogues. Cette « Île aux chiens » est particulièrement séduisante et apporte un renouveau aux films d’animation, un peu à la façon d’un « Ma vie de courgette » ou d’un « Kubo ». L’univers est bien choisi et peut rappeler un pays asiatique qui nous cache bien des choses avec un peuple embrigadé, replié sur lui-même sans le vouloir et qui doit obéir aux ordres d’un tyran. Les personnages sont interprétés par des voix qui portent bien, notamment Bryan Cranston, Bill Murray ou encore Edward Norton. On passe un bon moment !

Très bien fait car fustigeant la société actuelle avec ses tyrans prenant des décisions implacables pour leurs concitoyens comme l'ancienne avec la dénonciation des camps, ce film d'animation entièrement en stop motion est vraiment bien vu et assez référentiel quant à la culture nippone. Toutefois, il n'est pas réservé aux enfants mais aux adultes qui pourraient être lassés par son côté "OVNI", son austérité dans le style ou par certains de ses partis-pris (comme ne pas sous-titrer les paroles en japonais). Un bon Wes Anderson, mais pas non plus son chef-d'oeuvre.

Un film d'animation germano-américain qui se déroule au Japon, pourquoi pas... Si le décor (une île peuplée uniquement de chiens) et le registre fantastique (des chiens qui parlent) donnent déjà un côté original à cette production, ce sont vraiment ses personnages et sa qualité visuelle qui m'ont séduit. Je pense sincèrement que L'île aux chiens a le potentiel pour plaire aux petits comme aux grands.

Alors déjà, même si je n’ai pas accroché avec ce film, je reconnais tout de même qu’il est de bonne qualité. Après je ne suis pas trop fan de la stop motion qui a été utilisé pour la modélisation. Je trouve que l’émotion qui ressort fait vraiment artificiel. Pour l’univers on sent vraiment l’inspiration nipponne. Wes Anderson ne s’en cache pas d’ailleurs, il voulait rendre hommage au cinéma Japonais. L’aide de Kunichi Nomura aura été un véritable plus. Mais par contre je n’ai pas compris le choix de ne pas traduire les dialogues en Japonais. Selon le réalisateur cela fait qu’on se concentre sur les émotions mais dur de bien les interprété quand on ne comprend pas ce qu’il se dit. J’ai trouvé ça désagréable. Et c’est dommage d’ailleurs car le scénario est bien ficelé. On comprend tout l’enjeu de cet exil des chiens où on peut faire le parallèle d’une société qui préférait chasser les gens en difficulté plutôt que de les aider. Même si c’est trop lent à mon goût, jusqu’à la manière dont les personnages parlent, quand on prend du recul, on sent un vrai travail de fond. Ce n’est pas une simple histoire d’un petit garçon qui cherche son chien, c’est une véritable croisade contre vent et marrée qui ont été poussé par le sentiment le plus noble qu’il soit, l’amour. J’ai donc apprécié le fond de L'ÎLE AUX CHIENS mais c’est plus sa forme qui m’a rebuté.

Un rythme échevelé et une animation franchement excellente au service d’un récit original. Les chiens sont vraiment des personnages sympathiques qui ont même parfois la larme à l’œil et on n’évite pas quelques moments d’émotion.
Humour et style télégraphique qui donne parfois le tournis!!
Sympa comme tout.

Un film passionnant réalisé par Wes Anderson. Le sujet riche et bourré de détails graphiques. L'ensemble tient la route, grâce à des dialogues acerbes et un humour finement trouvé. Une comédie qui évite malheureusement de se rapprocher de ses propres personnages qui méritaient pourtant tout notre intérêt. J'ai suivi donc cette histoire d'un oeil amusé, intéressé et passionné mais sans jamais avoir été proche d'un personnage ou d'un autre; Donc un point de vue impersonnel, documentaire et plutôt littéraire car très raconté, cette histoire aurait pu être une pièce de théâtre ou un roman, cela aurait été une réussite aussi. Là, la technique du stop motion est vraiment captivante et originale. Mais est-ce qu'il y a vraiment autre chose que l'humour et la patte Anderson derrière ce film? Il me manque ce personnage auquel on doit s'attacher. Quant à la résolution de l'histoire, sans réelle surprise...

L'île aux chiens est maîtrisé de bout en bout. Une aventure canine de haute volée, à poil dur et à a truffe humide, qui crée un univers compact dans lequel Wes Anderson exerce sa fantaisie, son humour un peu froid et sa poésie. Avec les limites du genre, aussi, en ce sens que tout semble écrit au cordeau, comme dans une recherche de perfection que l'on ne lui reprochera pas mais qui enlève un peu d'émotion, in fine. Pétri d'influences diverses, son Japon dystopique est crédible à sa façon, surtout si l'on remplace les chiens ostracisés par n'importe quelle race humaine et du coup, le spectre s'élargit à tout autre pays calfeutré dans la peur de l'autre, et Dieu sait s'il en existe en ce bas monde. D'où une dimension politique évidente dans cette fable qui aboie sur la nécessité de la tolérance, de la solidarité et de l'acceptation des différences, soit autant de vertus humaines qui ont tendance à se faire rare de nos jours. Maintenant, si la virtuosité est au rendez-vous, le jeu des marionnettes reste une figure de style qui ne remplacera jamais l'interprétation d'acteurs en chair et en os, fussent-ils des chiens. Pourtant, le casting de voix est éblouissant, avec en particulier le timbre de Scarlett Johansson, toujours voilé, qui s'adapte parfaitement à la chienne de concours qu'elle "interprète". Au-delà de la réussite incontestable que constitue L'île aux chiens, on peut quand même se poser des question sur le "système" Anderson, qui cloisonne depuis plusieurs films le cinéaste dans des schéma ultra sophistiqués et répondant à leur logique propre. En un sens, ce serait un vrai étonnement que de le voir s'orienter, au moins une fois, vers un cinéma hors de ses mondes un peu fermés. Ce serait là une vraie surprise.

Wes Anderson revient avec un nouveau film d'animation en carton-pâte, "L'île aux chiens". Le cinéaste s'est fortement inspiré de la culture japonaise, d'ailleurs le film se déroule dans une ville japonaise imaginaire. Que ce soit la musique de tambours d'Alexandre Desplat, les textes écrits en japonais et traduits en sous-titre ou les différentes références à la culture japonaise, tout est pour nous immerger dans ce Japon vu par Wes Anderson. Mais nous retrouvons aussi et bien sûr tout ce qui caractérise le cinéma du réalisateur, à commencer par cette fameuse mise en scène et ces plans particulièrement soignés. Un peu de politique ici et une métaphore intelligente, avec toute la population de chiens mise à l'écart de la société sur une île poubelle, et un maire-dictateur qui prépare en cachette de l'éradiquer. Néanmoins, tout cet imaginaire est malheureusement assez laid, et aucune émotion ne semble traverser l'œuvre, ce qui est vraiment dommage. Les nombreuses astuces de mise en scène avec des aller-retours dans le temps et une histoire décomposée en différents chapitres ne parviennent malheureusement pas à happer le spectateur dans le récit et à combler ce manque d'émotion. "L'île aux chiens" reste un bon petit film signé Wes Anderson, très créatif et toujours bien inspiré, mais certainement pas sa plus belle création.

" l'île aux chiens " dernier film de wes Anderson et ours argent lors du dernier festival de Berlin est un film d'animation qui sort des sentiers battus. En effet même si l'histoire n'est pas simple accès, j'ai aimé le graphisme ainsi que la richesse des thèmes abordés comme la guerre , la dictature, l'endoctrinement du peuple, la discrimination éthique bref le temps a passé vite .