Avis sur Onibaba

Plus qu'un chef d’œuvre : l'un des plus beaux films de tous les temps ! On serait bien en peine de dénicher un seul défaut à ce film qui frôle la perfection absolue. De la beauté des plans (ah, ces longues courses dans les roseaux), de la remarquable direction d'acteurs, de la beauté de la jeune paysanne (Jitsuko Yoshimura) et de l'érotisme à la fois discret et torride qu'elle diffuse, de la dernière partie où apparaît l'épouvante, tout cela se déguste avec émerveillement. Certains ont cherché un message, je ne suis pas sûr qu'il y en ait un, ce qui n'empêche pas le réalisateur de donner au passage de façon allusive son avis sur les croyances religieuses, et sur la prédominance du sexe.

Des longueurs et un aspect répétitif qui n'avaient pas lieu d'être, mais une réalisation avec un superbe cinémascope en noir et blanc, le cadre confiné d'un marécage dont les sonorités et le visuel sont assez remarquablement utilisés et des personnages aux motivations pas totalement dénuées d'ambiguïté. Le masque du démon utilisé sur la fin passe pour avoir inspiré William Friedkin pour "L'Exorciste", et les séquences de traques dans les roseaux font un peu penser à celle du début de "La Planète des singes", sauf qu'elle se déroule dans du maïs je crois. Un film étrange qui tâte de plusieurs genres, y compris de l'horreur, méritant un petit détour.

Un film marquant. Une femme âgée et sans scrupules achève, avec l'aide de sa bru, des soldats blessés pour les dépouiller puis se débarrasse des corps en les jetant dans un puits. Réapparait alors un voisin qui annonce à la jeune femme que son mari a été tué au combat. C'est un film sur le désir, la frustration, la jalousie. Kaneto Shindo filme les roseaux comme personne. Le marais est d'ailleurs un acteur à part entière ! Les dialogues sont minimalistes mais la mise en scène parle à la place des acteurs : regards soutenus ou fuyants, visages de cire, gestes mécaniques trahissant un trouble... De nombreuses scènes sont au top, comme lorsque la vieille femme se frotte l'entrejambe contre le tronc d'un arbre... mort. Ce personnage est d'ailleurs le plus sombre. Film très maîtrisé qu'il faut voir.

Véritable plongée dans les marécages du Japon du XVème siècle, époque sujette à la guerre engendrant meurtres et famine, deux femmes survivent grâce au pillage des samouraïs égarés, les hautes herbes sont leur terrain de chasse, un traque sans relâche qui demande rigueur et opiniâtreté. Belle-mère et belle-fille se partagent une hutte rudimentaire, elles voient revenir un jour leur voisin Hashi, seul, leur annonçant la mort au champ de bataille du mari de la bru; suite à ses avances de plus en plus insistantes cette dernière ira rejoindre chaque nuit son nouvel amant, entrainant la jalousie de la vieille femme.

Kaneto Shindō prend bien soin de placer l’atmosphère de son récit, en premier lieu par la gestion de l’espace, de la grandeur interminable des marécages foisonnants au confinement de l’habitation des deux personnages féminins, comme un immense piège à ciel ouvert où se comptent les bénéfices dans ce terrier humain. Le caractère brut de l’œuvre ne tient que sur une impression ambiguë, l’introduction de Hashi qui tout d’abord se montre vil et hautin part lui aussi en chasse de quelque chose, l’assouvissement de ses pulsions sexuelles envers la bru, et c’est ici que le film entame son premier virage. Les relations entre les protagonistes se tendent au fur et à mesure, on ressent une certaine tension, celle de la rivalité érotique, c’est presque animal, car il faut dire que c’est une histoire de sauvageons, une nature humaine faite de meurtres, de sexe et de survie, l’amour n’y est qu’assez futile.

Les séquences nocturnes sont remarquablement bien traduites en terme de sensation d’immersion, autant grâce à la maitrise technique de Shindō, que ça soit son travail du cadre et du son, que par le rythme qu’il emploie, on est vraiment dans ces hautes herbes, c’est frappant et quasi inexplicable, j’ai été profondément transporté. De plus la narration est plus que présente pour continuer d’accroitre le malaise ambiant qui parcours ce triangle passionné, on sait que quelque chose va arriver, c’est imminent … Puis c’est l’apparition trouble et cauchemardesque de ce samouraï masqué réclamant assistance auprès de la vieille femme pour retrouver son chemin, haut degré de symbolisme, comme un avertissement divin (ou démoniaque) de la punition se devant d’être infligée. Second virage, le film passe la frontière de l’épouvante.

La dernière partie rime avec cauchemar, celui de la bru qui courant à perdre le souffle se voit barrer la route par une forme spectrale entre un mur de roseaux, à maintes reprises elle s’y prend, sans effet face à la gardienne de l’abstinence, le climat est juste incroyablement lugubre, c’est fantastique. Les bourrasques de vents et les torrents de pluie se joignent à la folie constante des personnages, le chaos règne, le dénouement est proche. Nous sommes en droit de deviner la résolution de ce mystère, mais le film garde un atout dans son jeu pour ne le dévoiler qu'au moment opportun, nullement un twist à proprement parler mais une véritable réflexion, une synthèse astucieuse des enjeux épisodiques pour constituer une morale digne d’une fable macabre et cruelle.

Onibaba est véritablement un grand film, d’une sidérante beauté et d’une infinie noirceur, Kaneto Shindō signe une œuvre magnétique à mi chemin entre un drame passionnel et un conte horrifique, avec également un sens aigu du cadre et de la composition sonore, tout est d'une sublime subtilité. J'ai personnellement vécu une excellente expérience de cinéma, le genre dont on ressort inévitablement marqué.

Peut-on mesurer l'écart entre ce film fantastique, chargé de frayeur et de violence, et L’Île nue, film quasi-muet, dépeignant un quotidien morne et répétitif. Eh bien il y a autant de différences que de parentés : Onibaba se concentre aussi sur la misère rurale, sur le quotidien qui est ici un quotidien de violence, mais aussi une lutte contre la faim et contre la mort. Si Onibaba se place dans une période médiévale où régnait le chaos, il fait de nombreuses références au triste après-guerre japonais : les défigurés de la bombe atomique, le peuple errant, la nation désemparée.
Les éclairages fantastiques imprègnent le film d'une horreur macabre et : lumières improbables, venues on ne sait d'où ; ni les champs vibrant dans la nuit, ni les huttes silencieuses, ni le fond du gouffre menaçant ne sont éclairés par les humains. La lune même n'apparaît qu'en un plan d'une seconde à peine. Alors cette lumière artificielle, démoniaque, sortie des enfers par le puits des samouraïs, apporte l'horreur de la vérité, celle qui se cache derrière le masque grotesque. Cette vérité qui n'apparaît que la nuit : le jour, il ne s'agit que de remplir les mornes tâches quotidiennes pour se fournir en eau et en nourriture. La nuit, on se cache, mais on agit : la maîtresse court retrouver son amant, la vieille femme jalouse l'en empêche, et cette attitude n'est évoquée que tacitement de jour.
Onibaba effraie, il égare, il déroute, c'est une fameuse démonstration horrifique.

Film trop long et redondant. C’est dommage car l’interprétation féminine est magnifique. À souligner le travail sur le son et la musique.

La filmographie de Kaneto Shindo, cinéaste Japonais ( décédé centenaire en 2012) n'a pas été malheureusement beaucoup diffusée dans l'Hexagone.

Moins cotée que celles du quatuor des maîtres du septième art nippon ( Mizoguchi, Ozu, Naruse, Kurosawa), elle recèle au moins deux titres formidables ( " l'île nue" et " onibaba").

Ce dernier sous titré " les tueuses" ne correspond pas à la traduction du titre original qui signifie " démon à visage de vieille femme".

Situé vraisemblablement au XIII ème siècle ( compte tenu des noms des chefs de guerre cités dans le film), le scénario conte une tranche de vie de deux femmes laissées seules alors que le fils de l'une d'elle et époux de l'autre a été enrôlé pour la guerre.

Réflexion sur le poids des croyances dans les comportements humains, l'importance de la pulsion sexuelle, qui non assouvie conduit à la névrose voire ici à la folie ( les théories du psychanalyste freudo marxiste W.Reich ne sont pas bien loin).

Filmé en scope noir et blanc, " onibaba" présente son meilleur profil dans la première demi-heure ( formidable).

Malheureusement, la suite de l'opus de Shindo perd un peu en intensité, en raison du caractère légèrement répétitif du scénario ( le procédé avait été utilisé avec succès dans "l'île nue" ).

Le piège représenté par le trou ( le symbole mérite la réflexion) sera un artifice métaphorique aussi utilisé dans " la femme des sables" autre film japonais, lui aussi de haute volée, sorti la même année.

Parce qu’il se dépouille du superflu de la parole pour mieux saisir le corps comme langage primitif jusqu’alors enfoui sous les convenances sociétales, le geste artistique du cinéaste Kaneto Shindō coïncide avec celui des deux femmes, l’une mère et l’autre épouse du fils, toutes deux veuves, dont le chagrin s’exprime par une renaissance à soi sous la forme d’une frénésie charnelle. Elles mangent goulûment, dorment lourdement, étreignent bestialement. Leur communication relève de l’instinctif : les chasseuses traquent leurs proies dans des étendues de roseaux et de hautes herbes ressemblant à un espace fantastique, à mi-chemin entre le cauchemar éveillé et le rêve sensitif. Onibaba capture un paysage qui constitue le maître absolu : le premier personnage du film, c’est la nature tout entière avec laquelle entrent en communion les femmes, comme poussées dans ses roseaux par un vent originel, un souffle qui équivaut à la fois à une dépossession de soi – l’orgasme – et à une exploration de son désir, d’un désir rassemblant pulsions de vie et de mort. La mise en scène, d’un raffinement délicieux, construit par l’image l’évolution de la relation qui unit les deux femmes : couchées l’une à côté de l’autre dans leur habitat, la poitrine dénudée, elles semblent se refléter avec l’âge en seule différence ; mais bientôt, à mesure que l’envie et la jalousie s’installent, les plans coupent ce rapport d’équivalence, à l’instar de cette branche porteuse du toit qui scinde l’écran en deux volets opposés. Le cinéaste aborde le clivage générationnel par le biais du mouvement : la plus jeune file à toute allure dans les herbes, court rejoindre son amant ; la plus âgée marche lentement, l’envie en cachette, si bien que sa curiosité se transforme en voyeurisme, son apparente indifférence se métaphorise en masque démoniaque apporté par un prétendu samouraï à la dérive. Et la malédiction dont il est ici question ne constitue, en réalité, que la figuration d’un mal causé par la société, elle qui emporte les hommes loin de leur famille pour les engloutir dans des combats que nul ne comprend – deux empereurs en conflit, nous dit-on –, un mal qui use le cœur, qui flétrit la peau, qui altère la beauté. Le masque, comme autrefois le regard, représente la tentation illusoire qu’a la vieille dame de se substituer à sa bru, de s’emparer de l’amant pour recouvrer une jeunesse à tout jamais perdue. L’image du trou creusé dans le sol est intéressante puisqu’en y jetant la mère soucieuse d’accéder à la beauté cachée sous le masque du soldat, le film fait d’elle un cadavre avant l’heure, elle qui est saisie, un temps, par la main de celui qu’elle a tué. Onibaba est une œuvre sur le temps qui passe et les êtres qui demeurent dans l’attente d’un retour qui ne vient pas ; Onibaba est une œuvre sur le temps qui reste et les êtres qui meurent, rattrapés par la brièveté de la vie. L’ombre des herbes sur un ciel plus lumineux dessine un contraste renvoyant au Bien et au Mal, interrogation existentielle qui obsède nos personnages. Le purgatoire est-il réel ? ou alors les morts ne sont-ils que cendres ? Non, le sexe est une pratique millénaire, affirme l’amant. Kaneto Shindō saisit une humanité tourmentée par des normes sociétales et religieuses qui les dépassent et la transgression morale que représente leur évincement. L’humain est un corps désirant, rempli d’un désir qui trouve dans l’annonce de la mort un sursaut existentiel : il faut jouir, refuser le veuvage, jouir. Les derniers mots de la mère résonnent et résonnent encore, préfiguration de l’appel au secours formulé par John Merrick seize ans plus tard : « Je ne suis pas un démon, je suis un être humain ». Chef-d’œuvre.

Voilà, ça c'est le film d'horreur asiatique de référence! On reste scotché par ce qui arrive. On est effrayé, étonné, fasciné, excité, bref, toutes les émotions d'un survival ou un film d'épouvante japonais y sont présents. Après le film, on se sent libéré, la boule au ventre commence à partir. Mais pourtant, j'ai vu des films bien plus effrayants. Pourquoi celui-ci m'a autant plu? Peut-être dû au noir/blanc qui, comme Psychose, nous fait voir des choses qu'on ne voit pas dans les roseaux. Et cette musique qui stresse ou angoisse sans raison, ces courses à travers ce marais, ce fantôme au masque effrayant. Et l'histoire du film n'est pas en reste. Une femme vit avec la femme de son fils. Pour survivre à une guerre qui détruit le Japon, elles tuent les samouraïs qu'elles rencontrent et vendent leur armure pour manger. Et, des thèmes différents sont traités comme l'amour, la croyance religieuse ou encore la mort. Et tout ça dans une ambiance étouffante, incroyable qu'il a réussit à garder ceci après tant d'années!

Kaneto Shindô signe là un film fort, minimaliste et d'une noirceur extrême! Il émane d'«Onibaba» une atmosphère délétère, étouffante, infernale, matérialisée par le somptueux noir et blanc de Kiyomi Kuroda! Le contexte belliqueux et instable de l'histoire qui nous est narrée constitue le cadre parfait pour la mise en scène par Shindô des passions les plus primaires de l'être humain. Celles-ci sont incarnées par les personnages principaux : un duo de femmes voleuses et tueuses de samouraïs blessés, vivant au jour le jour de leurs rapines, rejointes par un troisième larron tout aussi dénué de scrupules, et qui viendra bouleverser les rapports liant la belle-mère à sa belle-fille. En ces temps de guerre tout semble permis lorsqu'il s'agit de survivre : hommes et femmes n'hésitent pas un seul instant à s'acquitter des besogne les plus basses, et le quotidien de ces 3 protagonistes est ce qu'il y a de plus bestial, leur horizon se limitant à la satisfaction de leurs besoins alimentaires et sexuels. À ce propos il convient de souligner l'économie de moyens employée par le talentueux cinéaste, les magnifiques prises de vue des herbes hautes ondulant au gré du vent réussissant à elles seules à évoquer les différentes pulsions qui s'offrent aux personnages, qu'elles expriment la sensualité, l'angoisse, la vie ou la mort! Le propos est lui aussi relativement simple, mais sa force vient à la fois de son traitement et des différents niveaux de lecture qui s'offrent à lui. On sait tout d'abord que pour Shindô le sexe est source de vie, d'où la place qu'il occupe par ailleurs dans sa filmographie. Mais on peut aussi voir en ce film un aperçu (malgré lui?) des plus éloquents de ce que deviendrait l'humanité si elle était dénuée de toute spiritualité. Un autre angle de lecture est encore envisageable, développé avec pertinence par le site Dvdclassik.com : c'est peut-être justement le restant ou le peu d'humanité des 3 personnages qui viendra ébranler l'horreur de leur conduite! Et d'autres interprétations sont certainement possibles, c'est dire la richesse de ce film! [3/4] http://artetpoiesis.blogspot.fr/

« Onibaba » est un chef-d'œuvre du cinéma japonais, un film d'une beauté envoûtante et d'une noirceur poignante. Ce film m'a véritablement marqué par son ambiance étouffante et sa représentation crue des instincts primaires humains. Et le souffle du vent dans les herbes hautes… Les scènes se déroulant dans les hautes herbes du marais sont d'une intensité rare, capturant à la fois la tension et le désespoir des personnages. La relation complexe entre les deux femmes principales, exacerbée par l'arrivée d'un homme, se dévoile dans un contexte de survie extrême, où la guerre et la faim dictent leur loi. Les images en noir et blanc ajoutent à l'atmosphère oppressante du film, et la mise en scène est à la fois subtile et puissante, en particulier dans les scènes nocturnes et les confrontations avec le masque démoniaque. « Onibaba » est un conte horrifique qui explore les thèmes de la jalousie, de la sexualité et de la mort avec une grande finesse artistique. La musique, les sons naturels et les gros plans sur les visages des personnages contribuent à créer un univers fascinant et terrifiant. Ce film est une expérience cinématographique inoubliable, une plongée dans les abysses de l'âme humaine. Retrouvez mon amour du Far West dans les romans WHITE FINGERS : LA PISTE SYSKIYOU (TOME 1) et LE CIMETIERE DES SQUAWS (TOME 2) (Amazon Kindle).

Ce film est une vaste blague. Je ne comprends absolument pas les critiques élogieuses à son sujet. Il ne se passe quasiment rien pendant tout le film. Le rythme est très long. Seul les 30 dernières minutes sauvent le film, spoiler: avec l'arrivée du samurai au masque de démon...
. Honnêtement, un court métrage de 30 minutes eut été aussi bien. Points positifs : un beau noir et blanc, une jeune paysanne plutôt jolie, de bons acteurs... Voila quoi, pas de quoi crier au chef d'œuvre. Regardez le si vous voulez, ce n'est pas nul en soit, mais quelle déception !!!

La tension permanente qui anime les personnages de ce film magnifique, la moiteur du climat et les incessants ballets dans les hautes herbes créent un ensemble unique, où le désir, l'avidité et la jalousie s'entremêlent constamment.
On est ici en présence de personnages primitifs dont les besoins les plus basiques doivent être satisfaits coûte que coûte. La nourriture et le sexe sont donc au centre des débats, la vengeance des esprits s'avérant impitoyable pour qui ne respecte pas les attirances naturelles.
La fin, terrible, est magnifiée par un montage au cordeau.

Je vous raconte le pitch vite fait. Deux femmes vivent seules dans un paysage de marais alors que les hommes sont partis à la guerre. Pour survivre, elles tuent les guerriers imprudents et affaiblis qui feraient l’erreur de traîner dans le coin afin de les dépouiller et échanger leur matos contre de la nourriture. Elles ne les enterrent pas, elles jettent les corps dans un trou. Pouf, comme ça. Or le trou, c’est pas super pour le repos de l’âme. Enfin, il paraît. Et une âme qui ne se repose pas est comme votre petite dernière quand elle a pas fait sa sieste, elle est irritable. Ici, on est dans un genre typiquement japonais que l’on appelle le kaidan. Kaidan signifie mot à mot « histoire de l’étrange » ou « récit d’apparitions étranges » et c’est un genre très populaire au cinéma mais aussi dans la littérature depuis l’époque Edo soit entre le 17ème et le 19ème siècle. Au cinéma, dans le genre, il y a de grands classiques comme le Château de l’araignée, adaptation de Macbeth par Akira Kurosawa en 1957 ou les Contes de la Lune vague après la pluie de Mizoguchi en 1953, le film qui donnerait un peu naissance au genre au cinoche. Et Onibaba alors ? Et bien nous tenons là un kaidan efficace et surtout assez hallucinant. Par sa musique décalée, par ses portraits, par son rythme syncopé, le style rappelle un peu la nouvelle vague française dont Onibaba est contemporain. Il faut surtout souligner un fabuleux travail du chef opérateur qui donne un éclairage saisissant aux expressions de peur ou aux détails qui comptent. Alors bien sûr, bon nombre de kaidan de cette période sont fortement recommandables mais celui-ci est un vrai coup de cœur !

Le Japon médiéval en proie aux guerres intestines entre empereurs. Une femme et sa belle fille, dans l’attente du retour du fils (et mari), survivent dans une petite masure perdue au milieu des roseaux en assassinant et dépouillant les soldats égarés. Un jour, un compagnon de lutte du fils attendu revient et leur annonce la mort au combat de celui-ci. Cette arrivée va perturber le quotidien de ces deux femmes, déchaînant leur désir et leurs pulsions sexuelles. Très librement adapté d’un conte bouddhiste, Onibaba de Shindo brille par la qualité de sa réalisation et la beauté de ses images. Selon moi, le film est une très belle réussite sur 3 niveaux : le lieu où se joue le drame, l’érotisme suggéré, et le travail du son. Ainsi, l’ensemble du film se déroule dans un environnement primitif : une vaste et dense étendue de roseaux en bordure de rivière, filmée sous tous les angles et sous toutes les conditions (jour/nuit, soleil/tempête) par Shindo, et donnant lieu à chaque fois à de superbes images. Les seuls plans nous offrant un autre décor sont des plans sombres d’intérieurs exiguës (les masures, la caverne du receleur) et les plans à l’intérieur de la fosse, fosse éminemment symbolique, qui renforcent l’ambiance ténébreuse du film. Loin du spectacle érotico-voyeuriste vulgaire, Shindo parvient finement à saisir les pulsions sexuelles de ses personnages et à faire affleurer l’érotisme à la surface de scènes anodines, en utilisant subtilement les éléments (l’eau, le vent). Le travail du son, très riche, mélange de percussions et de sons naturels exacerbés, colle parfaitement à la mise en scène du film. A noter également la beauté des scènes flirtant avec le fantastique (je pense au masque de démon), réellement inquiétantes et visuellement époustouflantes. En résumé, un très bon film de Shindo, s’ouvrant à différents niveaux de lecture, et porté par une réalisation de haute tenue. A découvrir.