Visuellement, le résultat est donc hybride, trop sombre et bavard pour les plus jeunes, et moralisateur à l’extrême pour les plus grands…
Ambitieux, donc, mais aussi involontairement confus et maladroitement rythmé, ce qui fait perdre une grande partie de la force et de l’émotion, en dépit des performances saisissantes de Sayyid El Alami et de la révélation Douae Burtarbuch Mazaouki (...).
Il y a des films qui se ressentent, se vivent plus qu’ils ne s’expliquent. À n’en pas douter, "Everytime" en fait partie, dans la mesure où il ne raconte pas un mal de vivre, un traumatisme ou un deuil, mais les fait littéralement éprouver au spectateur, qui assiste à une succession de séquences-chocs.
Là où nombre de ses confrères auraient opté, étant donné le sujet, pour un documentaire à la manière de Raymond Depardon, le réalisateur du "Procès Goldman" s’entoure d’une flopée de jeunes comédiens qui font leurs débuts à l’écran (à quelques exceptions près, comme Malou Khebizi), écrit avec une précision d’orfèvre chaque parcours et parvient à faire exister chaque personnage.
Un film délicat, donc, qui parvient, malgré son douloureux sujet, à démontrer à quel point se lancer dans une telle aventure est déjà une victoire en soi.
Les situations cocasses ne manquent pas, et ce d’autant plus que le maître d’œuvre s’essaie (...) au plan-séquence intégral (...). Un choix à double tranchant, car si, d’un côté, l’exercice de style est réel, il donne à cette comédie un côté théâtral parfois déstabilisant… qui n’empêche pas des sautes de rythme, où la mécanique tourne à vide…
Un message limpide, agrémenté de quelques belles images, mais aussi alourdi par sa propre voix off omniprésente et une tendance à vouloir brasser trop large.
La présence d’Hiam Abbass, en mère endeuillée incapable de pardonner au peuple français la mort de son enfant, ne parvient que partiellement à masquer les faiblesses de l’ensemble… qui aurait gagné à se focaliser pleinement sur son ressenti.
La menace de la fermeture administrative plane et est souvent mentionnée, mais les difficultés concrètes rencontrées par l’école et le maire du village sont peu développées. Une approche un peu simpliste qui s’explique toutefois par le choix du documentariste de s’adresser également au très jeune public, à partir de 6 ans, forcément concerné par le destin de cette Toute petite école, toujours ouverte à ce jour, où le « vivre-ensemble » est de rigueur.
Inspirée, cette sorte de Kramer contre Kramer 2.0, où le père fait cette fois face à la justice pour conserver la garde, est suffisamment bien calibrée pour provoquer l’émotion…
Un film inventif, mordant et percutant, qui parvient à troubler le spectateur et à le surprendre grâce à une succession d’idées plus brillantes les unes que les autres.
Tourné dans l’Estérel avec un casting embarquant Andie MacDowell, « Melpomène », à voir ce mercredi 30 septembre sur les écrans, nous plonge dans les affres de la schizophrénie
Du pur divertissement.
Dans « Quelques mots d’amour », Rudi Rosenberg offre à Hafsia Herzi la possibilité d’explorer une autre facette du rôle de mère, confrontée à la quête d’identité de sa fille, déterminée à renouer le contact avec un père absent.
À défaut d’être honteux, ce Sanguine, marqué par quelques moments gore et par une réflexion appuyée sur la pression au travail et le burn-out de la jeune génération, peine à tenir la comparaison avec d’autres body horror tels Grave et The Substance, également signés par des réalisatrices françaises.
Si la mise en scène s’appuie parfois sur des stéréotypes, elle a le mérite de rester sobre et de privilégier le drame au thriller, qui ne surgit qu’au détour d’un dénouement aussi glaçant qu’inattendu.
Avec son cachet visuel envoûtant et sa capacité à aborder des thématiques fortes comme la mémoire, la Première Guerre mondiale, mais aussi les préjugés et la peur qui poussent les gens à se replier sur eux-mêmes et à rejeter ce qui leur est étranger, Le Mystère Lucy Lost vise juste et saura toucher un large public. Les plus petits pourront toutefois trouver la narration un peu trop complexe.
Toujours est-il qu’on se laisse gagner par la franche camaraderie qui règne au fil des images, tournées dans les ruines gothiques de L’Abbaye Notre-Dame du Val et son domaine.
À défaut de pousser la satire — on sent que le sujet permettait d’aller beaucoup plus loin — et de proposer une fin convaincante, Wicker s’attache à bien faire comprendre les enjeux et prend un malin plaisir à faire voler en éclats les apparences. Une satire efficace, donc.
Sans égaler celle des maîtres, la réalisation de James Watkins (Eden Lake, Speak No Evil) parvient à saisir l’atmosphère de Gotham dans ce body horror pur jus, dont on sent les influences de Cronenberg dans le côté organique et de Verhoeven dans les pulsions de ce Matt Hagen / Clayface, dont on a hâte de voir le face-à-face avec Batman.