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Un beau drame.
Otto, interprété par Milo Machado-Graner, en est la parfaite illustration. L’acteur révélé dans Anatomie d’une chute trouble par son calme, son silence, sa volonté de représenter intérieurement sa douleur et amène le spectateur à se questionner sur l’avenir.
Le mélange, maîtrisé, débouche sur un Ovni, haletant… et hautement politique, qui absorbe le spectateur jusqu’à son dénouement. Le tout accompagné d’une musique composée par le trio Matteo Di Stefano (membre fondateur du célèbre collectif de Marseille, Chinese Man Records), Gilles Alonzo et Julien Shickel.
Récompensée cette fois par le prix d’interprétation à la Berlinale, l’actrice d’Anatomie d’une chute, Toni Erdmann, La Zone d'intérêt ou Projet Dernière Chance, pour ne citer qu’eux, impose à nouveau le trouble. Elle ne cherche pas la douceur, mais vise surtout à faire sortir les épines de cette Rose sur laquelle l’étau n’a de cesse de se refermer au fil des minutes, d’une manière implacable. À la Haneke.
La décision de reporter d’un jour l'opération, au 6 juin, a ainsi permis de sauver des milliers de vies. Sobre et… bavarde, pour mieux faire entrer le spectateur dans les coulisses et lui glisser un maximum d’informations, la proposition vaut donc essentiellement pour son côté instructif, mais peine toutefois à élever le débat au rang philosophique et à dépasser le cadre théâtral (le film est d'ailleurs l'adaptation d'une pièce) qui lui aurait permis d'avoir une autre ampleur.
Par son sujet et son interprétation — où la jeune Bonnie Bouriche Troutaud donne la réplique à Julia Faure et Roschdy Zem —, ainsi que par cette idée, à la fois simple et efficace, d’accorder une réelle importance à la musique, le film ne manque pas d'atouts. La réalisation est par contre très sage (...).
Ambitieux, le film se perd toutefois dans sa réalisation lourdaute et poussiéreuse, avec une image proprette, de longs flash-backs sirupeux et une utilisation du piano / violon à outrance… De quoi enlever une grande partie de l’émotion de cette correspondance et placer le résultat loin des travaux de cinéastes chinois majeurs tels Zhang Yimou, Chen Kaige ou Diao Yinan, pour ne citer qu’eux.
Dans sa démarche, la néo-cinéaste prend soin d’éviter tout manichéisme, ne présente pas l’homme comme un monstre, le filme en train de pleurer, démuni, et souligne ses états d’âme.
Précisément, c’est la force de ce propos qui a séduit le jury présidé par Wim Wenders lors de la dernière Berlinale, lequel lui a accordé le Grand Prix du Jury… préférant toutefois couronner de l’Ours d’or Yellow Letters de l’Allemand İlker Çatak, abordant lui aussi, mais d’une toute autre manière, la question de la liberté d’expression en Turquie. Un sujet brûlant.
Un concept assez particulier, déroutant et qui fait passer la cinéaste par quelques chemins de traverse, telle une histoire secondaire autour de l’ex, délaissée par la suite. Pour autant, lorsque dans sa seconde partie, quand le film se concentre sur le ressenti de l’écrivaine, il privilégie la redécouverte, le renouveau et dans ses meilleurs moments, insuffle un peu de poésie et d’humour pour adoucir l’ensemble.
De cette Dernière patiente retiendra donc principalement les performances du duo de comédiennes dont on sent l’alchimie à l’écran et la capacité du réalisateur, à réussir à installer de la tension sans négliger le volet social ou médical.
Un petit côté Retour vers le futur et de multiples références aux Mille et Une Nuits complètent le tout et trouvent une cohérence grâce au ton et à la bonne humeur générale.
Malgré quelques morceaux de bravoure et une réalisation tenue, la deuxième heure pêche dans son scénario et son montage, avec des passages survolés, dont l’arrivée à Grand Junction, destination synonyme d’espoir pour les protagonistes, parmi lesquels on retrouve Margaret Qualley, un peu trop réduite au rang de faire-valoir.
Par son atmosphère enneigée, coupée du monde et sa réalisation minutieuse, qui n’appuie jamais un effet, ce drame trouble le spectateur jusqu’à sa dernière image d’une émotion brute, où subitement tout fait sens dans les yeux d’Inès.
Dans ce film, tout n’est jamais tout noir ou tout blanc, et Cristian Mungiu, lui, ne prendra jamais réellement parti.
En développant les psychologies de ce trio, "Paradise" interroge… même si l’ensemble est alourdi par des effets superflus (l’ouverture notamment) ou pseudo-réflexions philosophiques inutiles (le dénouement en particulier), comme si, à l’image des protagonistes, le film cherchait son style, plutôt que de l’imposer.
(...) la manière de dépeindre le monde rural méconnu, avec une enquête sur un vol de ruches, de multiplier les ruptures de ton et la volonté de surprendre constamment le spectateur pour le mener en terrain inconnu, témoigne de la singularité de cet auteur, à suivre de près.
En découle une pastorale, dont on sent l’inspiration Pagnol voire Alibert / Sarvil / Scotto et qui compense ses maladresses de rythme ou certains couacs d’interprétation – Jean-Baptiste Brucker, novice au cinéma a parfois du mal à exister face au reste de la troupe – par sa bonne humeur ambiante et la qualité des seconds rôles.
L’omniprésence d’un co-animateur bavard, à l’autre bout du fil finit aussi par lasser et ne sert qu’à meubler les temps faibles de cette œuvre que l’on aurait aimé plus aboutie.
Les rebondissements alternent pour leur part le chaud et le froid, avec certains cousus de fil blanc alors que d’autres parviennent à relancer la machine. Même constat au niveau technique, puisque les graphismes, assez sommaires, sont rattrapés par une direction artistique cohérente et de jolis jeux de couleurs.