Avis : Fleurs d'équinoxe - Page 2

On annonce un typhon en tout début de film, dont on en verra aucune image, ce n'est pas le style de la maison, mais plutôt l'annonce symbolique d'une tornade qui va renverser les habitudes matrimoniales.
Les jeunes filles se rebellent et ne reconnaissent plus le pouvoir des parents à choisir leur futur époux!
Les pères, camarades de la même école, finissent par l'accepter, curieusement les hommes jeunes ont à peine leur mot à dire, dans cette approche très féministe, les mères soutenant discrètement mais avec doigté et fermeté leurs filles.
Le saké et la bière aident comme à l'habitude les langues à se délier dans une mise en scène immuable et réglée comme du papier à musique, pas de nouveauté de ce côté-là!
Le casting comporte pas mal de protagonistes, et le scénario donne l'occasion de découvrir brièvement un repas de mariage traditionnel ou un repas entre camarades de promo, émaillés de discours chantonnés par les hommes.
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"Fleurs d'équinoxe", sorti en 1958 sur les écrans japonais est le premier film en couleur de Yasujiro Ozu. Le réalisateur qui n'a jamais dévié de sa route et donc de son art, observe encore une fois l'évolution de la société japonaise à travers la lente et difficile transformation des rapports au sein de la cellule familiale. Le mariage, moment clef de la vie de chaque individu car synonyme de création d'un foyer et d'émancipation de la tutelle parentale sera ici le thème central comme il l'était pour "Printemps tardif". Mais cette fois-ci, il ne sera pas question d'une jeune fille souhaitant rester vivre avec son père veuf mais de plusieurs qui revendiquent le droit de se choisir elles-mêmes celui qui partagera leur vie et sera le père de leurs enfants. La thématique est immédiatement révélée dans la scène d'introduction où deux cheminots sur le quai d'une gare constatent que les jeunes mariés y circulent en nombre. Wataru Hirayama (Shin Saburi) notable établi assiste à un mariage où il lui revient de prononcer un discours en hommage aux deux jeunes époux. Il fait l'éloge d'une union de l'amour en rupture totale avec ce que lui et ceux de sa génération ont dû subir comme contraintes avec les mariages arrangés qui étaient la règle dans leur jeunesse. Discours sans doute moderne mais aussi humiliant pour sa femme Kiyoko (Kinuyo Tanaka) assise à ses côtés. Mais du discours à la pratique, le chemin est souvent tortueux. Quand peu de temps après un prétendant confidentiel vient lui demander la main de sa fille Setsuko (Ineko Arima), le choc est rude et la contradiction évidente. C'est la lente (r)évolution que va devoir accomplir Wataru pour se rendre à l'évidence qu'Ozu nous dépeint. L'apport de la couleur lui met sans doute un peu de fantaisie dans le cœur car son intrigue moins linéaire qu'à l'habitude est souvent teintée d'un humour rafraichissant grâce aux amies de Setsuko qui vont avec elle apporter un souffle nouveau sur la famille tout comme les fleurs d'équinoxe sont l'annonce d'une nouvelle saison. Moins mélancolique que d'autres grands films de Yasujiro Ozu, "Fleurs d'équinoxe" bénéficie de la même qualité plastique et surtout d'une direction d'acteurs qui jamais ne faiblit et ce même si Chishu Ryu le fidèle compagnon de route du réalisateur n'a qu'un rôle modeste dans ce premier film en couleur qui inaugure avec brio le cycle des cinq chefs d'œuvre finaux du maitre.

Où Ozu dépeint l'hypocrisie d'un homme progressiste en société et paternaliste dans son foyer, comprenant qu'une jeune femme puisse choisir d'épouser l'homme qu'elle aime, tant qu'il ne s'agit pas de sa propre fille...
On retrouve par ailleurs l'immense Kinuyo Tanaka dans le rôle de la mère, à qui le cinéaste, féministe convaincu, avait apporté son soutien lors du passage de l'actrice à la réalisation.
Plusieurs scènes voient ici l'héroïne s'opposer à son père de façon véhémente, brisant quelque peu les codes de la société japonaise encore présents dans les années 50, et apportant au récit une tension palpable, finalement assez rare dans le cinéma de l'auteur de "Voyage à Tokyo". Un beau film en couleurs, non dépourvu de certaines longueurs, qui apporte un éclairage précieux sur le Japon de cette époque.

La couleur fait son apparition dans le cinéma d'Ozu et dans ses cadrages géométriques bien identifiables. Le cinéaste réussit de belles compositions visuelles tout en restant fidèle à ses plans fixes -pour l'essentiel des intérieurs- avec la caméra au sol, comme pour mieux filmer les conversations agenouillées, ainsi que c'est l'usage dans les maisons japonaises; sa façon de filmer, caméra à terre, les couloirs et allées en enfilade fait aussi partie du style formel qui n'appartient qu'à Ozu.

Observant les mutations du Japon de l'après-guerre (on ne sait pas si la propension des hommes japonais à boire de la bière dans le film est une des mutations importées de l'Occident), Ozu aborde dans ce film la question du mariage arrangé (par les parents), tradition, si l'on en croit le cinéaste, que refusent désormais les jeunes japonaises, en l'occurence trois d'entre elles dans le sujet de comédie qui illustre le sujet. Ou comment faire changer d'avis un père réfractaire au choix de sa fille. Avec une certaine ironie, Ozu fait jouer à Monsieur Hirayama, mandaté par des parents amis, le rôle de conciliateur auprès de deux jeunes filles avec lesquelles il montre une compréhension qu'il n'a pas avec sa propre fille. Sans éclats (de voix), Ozu remet en cause le modèle patriarcal ancestral. Au-delà, il nous fait entrer une fois de plus dans la mystérieuse culture japonaise des années 50 et ses rituels. Le sujet, qui peut paraitre anodin aujourd'hui, n'en prend que plus d'intérêt.

Il s’agit là l'un des plus beaux films d'Ozu (son premier en couleurs), et donc inéluctablement de tout cinéma japonais des années 60-70. Avec ses cadrages et sa photographie, on observe deux heures durant des tableaux animés et une belle histoire sur le thème récurent du réalisateur: les conflits intergénérationnels. Cette opposition à travers des dialogues finement écrits entre une fille et son père autour du thème délicat du mariage arrangé et, à travers lui, de l’émancipation des femmes. Un thème qu’il exploitera également dans FIN D’AUTOMNE. Le réalisateur y dénonce donc, comme à son habitudes, les anciennes valeurs traditionnalistes tout en gardant un style artistique issu de la plus pure tradition nipponne.

Premier film en couleurs pour l'ami Ozu qui n'a pas perdu du temps pour admirablement utiliser cette nouvelle technique pour lui en mettant bien en valeur certains détails ou objets par ce procédé. On peut sans hésiter dire que c'est un des premiers et un des rares cinéastes a avoir vraiment bien compris l'utilité que pouvait avoir la couleur. Côté histoire, Ozu force l'admiration aussi car à ma connaissance c'est le seul réalisateur de son pays (avec peut-être Mizoguchi!) à avoir réussi à dézinguer certaines traditions archaïques japonaises tout en le faisant entièrement à la japonaise. Le tout de façon étonnamment très légère non dénué de pointes d'humour et d'ironie, ce qui fait que j'ai eu l'impression d'assister à un drame gai. Le style bien particulier est bien évidemment présent et la direction d'acteurs toujours aussi impeccable. J'ai envie de dire un bon Ozu mais au fur et à mesure de la découverte de ses films je pense bizarrement que j'aurais l'impression d'employer un pléonasme.

Un film superbe avec des acteurs d'une sensibilité et d'une modernité incroyables, sans parler du traitement de la couleur et du cadre. Je souhaite à tout le monde d'avoir la chance de voir ce film, comme tous les Ozu. Je connais peu de réalisateurs capables de frôler le chef d'oeuvre à tous les coups.

Même bonheur est parfois triste

Yasujirô Ozu est un des maîtres incontestés du cinéma japonais, et même du cinéma tout simplement. Sa filmographie est tellement copieuse qu’on ne peut se vanter d’avoir tout vu. Pensez, son 1er film date de 1923 et dernier, l’excellent Le Goût du saké, de 1962, soit plus de 50 titres. Ces 117 minutes de 1958 constituent son 1er film en couleurs. Un groupe d’anciens amis se retrouve et discute de l’avenir de leurs filles, désormais en âge de se marier. L’un d’eux, Wataru Hirayama, est un cadre supérieur fermement attaché à ses valeurs conservatrices, mais tenant parfois auprès de ses amis un discours progressiste sur l’amour et le mariage. Un jour, un jeune homme se présente à son bureau : il se nomme Masahiko Taniguchi et demande la main de Setsuko, sa fille aînée. La décision d’Hirayama est sans appel : il refuse que sa fille épouse l’homme qu’elle aime… En cette période de disette cinématographique, le drogué de la salle obscure que je suis se rabat volontiers sur des films d’ailleurs, - Mongolie, Bhoutan, Algérie, Macédoine, Corée, etc… - que nous n’aurions sans doute pas pu découvrir sans la pénurie de films américains. Mais il y a aussi les reprises comme ce film du plus japonais de tous les réalisateurs. Une curiosité mais dont on doit oser dire que ça a pris un sacré coup de vieux. 75 ans après, le cinéma a tellement évolué et nos goûts avec, qu’il est difficile de juger cette comédie dramatique en 2021. Mais ça reste un témoignage émouvant de ce reste un des grands maîtres du cinéma asiatique.
Longtemps méconnue du public occidental, - alors que ses très célèbres compatriotes Kurosawa et Mizoguchi bénéficiaient, eux, d’une reconnaissance internationale -, rarement présentée en festival par un studio qui la jugeait trop spécifiquement japonaise pour s’exporter, l’œuvre d’Ozu finira toutefois par rencontrer un plus large public international après la mort du réalisateur en 1963. D’ailleurs ce film n’est sorti chez nous qu’en 1969 ! Je l’ai dit plus haut, c’est le 1er film en couleurs de fervent du noir et blanc. Le cinéaste prendra tellement de plaisir à faire ce film qu'il produira par la suite tous ses films en couleurs, parmi lesquels quelques-uns de ses chefs-d'œuvre. La fleur d'équinoxe, Higanbana en japonaise, est aussi appelée « fleur aux 600 noms ». Elle donne son titre au film à cause de son symbolisme et de sa provenance, un film qui tente de traduire la difficile transition sociale que subit un père. De plus, la plante est traditionnellement reconnue pour être une source d'inspiration pour les poètes et artistes japonais. Elle est également la muse d'Ozu qui la fait apparaître dans plusieurs de ses films. Ozu est connu pour son perfectionnisme quant à la construction de ses plans. Ici, sa caméra systématiquement fixe est placée au ras du tatami. Il tient à placer la caméra à hauteur d'œil pour une personne agenouillée sur le tapis. Le pied de la caméra installait celle-ci à moins d'un mètre du sol, obligeant l'opérateur à lui-même s'agenouiller, voire s'allonger, pour filmer la scène. Pour ce qui est du scénario, on tente de partager la tradition nippone à propos de mariage arrangé. On a du mal à partager l’amour vieux jeux d'un père pour sa fille qui s'inquiète et prend mal le fait qu'elle refuse le mari potentiel qu'on lui propose. La mise en scène aussi soignée que minimaliste donne pourtant assez d’espace aux personnages qui entravés par les convenances de la tradition réussissent à tomber le masque pour entrevoir la société dont ils rêvent. Le cinéma d’Ozu n’est pas impressionnant, mais il marque tous les amoureux de l’esthétisme et du raffinement japonais. Ozu s'est comparé toute sa vie à un restaurateur de tofu ne faisant que du tofu. Oui, mais avec lui, le tofu devient un délice à nul autre pareil.
Shin Saburi est un grand habitué du cinéma d’Ozu pour lequel il a tourné nombre de films. Il incarne ici tout ce qu’un occidental peut imaginer du ressenti profond d’un japonais. Il est parfait de justesse et de sobriété. Un grand acteur. Quant à Kinuyo Tanaka, elle jouait déjà pour Ozu dans sa période de cinéma muet… c’est vous dire. Ineko Arima, Yoshiko Kuga, Keiji Sada, etc… servent admirablement le maître japonais. Dans cette période de grande laideur, peut-on rester insensible à deux heures de magnifiques tableaux animés… un véritable régal pour les yeux Une illustration parfaite de l'atmosphère inimitable des films d'Ozu, baignée d’une acceptation sereine du temps qui passe. Et comme le dit le dicton japonais : même bonheur est parfois triste.

Sous ses airs de vaudeville social, ce film est un chef-d’œuvre sur le temps qui passe et qui malmène toutes les générations. Chaque plan est d’une perfection ahurissante et nous emporte dans ce récit profondément humaniste et jamais moraliste.

Yazujirô Ozu s'est comparé toute sa vie à un restaurateur de tofu ne faisant que du tofu. Cette parabole signifie que, d'un film à un autre, tous présentent des analogies entre eux. Fleurs d'équinoxe n'en est qu'une preuve supplémentaire en ce sens que l'histoire se déroule, une fois encore, à Tokyo et les personnages sont, comme d'habitude, tout ce qu'il y a de plus ordinaire. Pourtant, et c'est bien là que réside le talent d'Ozu, loin d'être lassés, nous sommes constamment saisis par la pertinence des dialogues et par les charmes de l'image. Sa manière de filmer au ras du sol nous mettrait presque dans la peau d'un personnage, d'un narrateur neutre qui nous révèlerait une histoire. Mais, au-delà de l'esthétique maîtrisée à la perfection, Fleurs d'équinoxe a pour thème principal le mariage. En effet, un père de famille respecté apprend que sa fille projette de se marier alors qu'il la destinait à un autre. Le père s'enlise de plus en plus dans les contradictions de sa double attitude. Effectivement, alors qu'il refuse de laisser sa fille épouser un garçon qu'il connaît à peine, il conseille à une amie de la famille de se lancer dans une relation que ses parents désapprouvent. Cette duplicité lui sera fatale et il finira par céder tout en reconnaissant le mariage à l'égard duquel il se montrait si réticent. Il s'agit d'un film initiatique, hautement moral et ironisant sans encombre sur les mœurs qui privilégient les mariages arrangés aux mariages d'amour. Ce mélange d'humour grinçant et de visée morale confère une dimension intellectuelle authentique. Fleurs d'équinoxe est donc un film bien construit, brillant à tous les niveaux mais dont certaines scènes chantées sont particulièrement assommantes.

Un père traditionaliste, habitué au pouvoir dans son métier ou à la maison, exige que sa fille, tout comme lui auparavant, ait recours au mariage arrangé. Il va devoir, dès lors, affronter son entourage féminin, bien décidé à le faire céder en le piégeant à deux reprises.
Encore un film d'Ozu et de son scénariste Kôgo Noda sur le mariage arrangé. Oui, mais encore différent.
Ici il est question d'antagonismes générationnels, de luttes entre tradition ou modernité, mais aussi de révoltes féministes contre l'autorité suprême patriarcale.
Et le train, très symbolique des relations humaines chez Ozu, est absent du film. Sauf au tout début , où deux cheminots devisent sur le mariage, et à la toute fin, magnifique épilogue d'un train s'éloignant sur la voie de la réconciliation.
Même quand il filme en couleur, Ozu reste Ozu.

je découvre ozu: qui parle beaucoup de la famille, des difficultés entre les générations (la traditionnelle avec les mariages arrangés et la génération des enfants qui voient les relations d'un autre œil); et puis c'est intéressant de voir la culture japonaise dans son ensemble à l'époque d'ozu;

Peut-être le plus grand film de tous les temps, avec, dans un genre complètement différent, La Mort aux trousses d'Hitchcock. Couleurs, mise en scène, direction d'acteurs, tout est sublime. Un film pour un père de fille. Shin Saburi (le père) est un oxymore à lui tout seul : la mauvaise foi compréhensive.