Avis : La Dolce Vita - Page 5

Federico Fellini signe avec la Dolce vita une satire, certes, mais qui ne tombe jamais dans l'outrance et l'excès. Il est frappant de voir à quel point le film est très moderne et encore d'actualités, alors qu'il date de 1960. Rien ne fait poussiéreux ou vieillot là dedans.
La mise en scène est très agréable, Federico Fellini nous entraine littéralement à le suivre à travers les périples de cette dolce vita. Certaines scènes sont vraiment très belles.
Si le film ne m'a pas non plus chamboulé, il faut reconnaitre qu'il s'agit d'une œuvre réussie.

Cette errance bourgeoise et aristocratique dépasse de bien loin le cadre de la satire, et je récuse absolument quiconque prétendra que c'est là que se trouve son cœur. Parce que la satire des classes les plus avantagées est un exercice populiste d'une facilité inouïe et désespérément limité (2h 45 uniquement consacrées à un constat matraqué et prétentieux de par son jugement cathartique seraient d'un ennui affligeant), et que Fellini cherchait au contraire à capter quelque chose bien au-delà des ces discours sociétaux. Certes, le ridicule de ces personnages de la jet-set italienne (le terme est probablement anachronique, mais l'image qu'il recouvre était apparemment née bien avant lui) et la vacuité de leur vie se prête à merveille à une lecture acariâtre pour qui veut récriminer un mode de vie qu'il ne peut pas s'offrir ou condamner du haut de sa vertu ceux qu'il choisit de voir seulement comme des rebuts de l'humanité. Mais Fellini met dans La Dolce Vita un élément essentiel pour en faire un miroir, et plus seulement la photographie désacralisante et triviale d'un univers lointain : de l'empathie. Parce qu'il prend par la main le personnage de Marcello Mastroiani, l'accompagnant tout du long d'un long-métrage narrativement décousu auquel il donne donc la forme d'une errance. Si les saynètes et les ressorts comiques s’enchaînent sans s'arrêter, et pourraient sembler chercher à former un panorama des tares d'une aristocratie perdue, il n'en est rien, puisqu'ils le font au côté d'un personnage qui flirte avec celle-ci et cherche, dans ce marasme, le chemin qu'il devrait emprunter. Jamais, alors, le film n'adopte un regard froid, mais joue entre la fascination et la peur du vide pour mettre à nu les conflits qui portent le personnage et quiconque a un jour partagé des rêves aussi confondants que les siens. Le style de Fellini, incontestable, navigue lui-aussi entre le réalisme et la limite du surréalisme, mêlant peu à peu la réalité et les mirages, cherchant dans une certaine vision de la splendeur de l'Italie à retrouver l'aspiration de son personnage à vivre la grandeur, sans avoir une idée très nette de ce qu'elle est. S'il se sert d'une réalité sociale, quitte à en grossir quelque peu le trait, Fellini ne cherche donc pas seulement à la mettre à bas, à en dévoiler le vice caché. Bien plus important, il en fait par tous ses plans, tous ses personnages et tous les dialogues qui font vivre les deux, un panorama où la beauté est présente mais hors de portée. S'il décrit un personnage égocentrique, La Dolce Vita le fait avec toute l'empathie nécessaire, se servant du charisme naturel de Mastroiani pour cultiver le regret de la déroute qu'on le voit subir, et rappeler que s'il y a mille façon de se perdre, une seule est bien suffisante. Un film à la mélancolie éternelle, qui sait mettre en image son versant le plus douloureux, à savoir qu'elle vient de la beauté, et qu'une fois qu'on l'a rencontrée, impossible de rechercher celle-ci sans être rattrapée par elle. Indémodable.

Un film composé avec brio à la manière d'une pièce de théâtre en différents tableaux, parfois cultes, dans lesquels le héros cherche sa voie, refusant la vie simple que lui propose sa femme; hésitant à sacrifier sa vie à ses aspirations littéraires attiré par la jet set et sa facilité qu'il cotoie et dont il connait aussi la vacuité... Mastroianni était l'acteur parfait pour incarner ce personnage toujours sur le fil entre l'assurance et le doute. A voir mais biensur on n'échappe pas à quelques longueurs féliniennes malgré un mouvement perpétuel.

Attention chef d’œuvre de Fellini Palmé à Cannes en 1960… Difficile de critiquer une telle référence cinématographique du cinéma mondial, et pourtant…
Un journaliste d’une presse populaire à la recherche de scoops et de sensationnalisme accompagné d’une nuée de mouche, le paparazzi, erre dans la Rome décadente. L’action se déroule essentiellement la nuit avec des fêtes extravagantes suivies de matinées gueules de bois. Marcello Mastroianni offre une interprétation magistrale dans le rôle de ce journaliste en rupture totale avec le modèle de la famille classique. Hédoniste, il profite de la vie, des femmes et des soirées. Radioscopie d’une Rome en perdition où la sexualité est libre ; dépravée pour l’Eglise. Courageux, ce film a choqué à l’époque, et surtout en Italie, avec ses faux miracles, cette sexualité débridée plus que suggéré. D’un érotisme incroyable, le final est très enlevé. Par contre, on s’ennuie aussi trop souvent dans ce film enchainant des sketchs se coordonnant pas toujours très bien et souvent trop long. Cette vision désabusée de la société, bien que très avant gardiste, manque de nuance et de force de conviction. Le scénario déstructuré finit aussi parfois par nous perdre.
Malgré l’ennui, gardons en tête les atouts majeurs de ce film : l’interprétation de Mastroianni, quelques scènes gravées dans la mémoire collective, la musique de Nino Rotta, la beauté du noir et blanc et le courage de la thématique abordée… mais accrochez vous 2h45 tout de même.
Sorrentino avec « La grande bellazza » s’en est beaucoup inspiré ; la grandiloquence des soirées romaines étaient bien reproduites mais en 2013, le côté sulfureux qui faisait l’intérêt de « La dolce vita » avait disparu en même temps que l’intérêt pour ce film.

Une sorte de film à sketches satirique et mélancolique dont le beau Marcello serait le seul fil rouge. Un regard un peu trop pessimiste et cruel à mon goût sur une modernité symbolisée par les paparazzi (le terme vient d’ailleurs de ce film), les vedettes de cinéma, les boîtes de nuit, l’hystérie religieuse, l’oisiveté intellectuelle, la décadence aristocratique, etc. Visuellement, c’est sublime, avec des décors hallucinants qui absorbent toute l’attention de Fellini, et tout son talent de réalisateur. Au risque de sacrifier un peu ce fameux fil rouge, à savoir le portrait plus intimiste d’un homme en pleine crise existentielle, qui est ce que le film propose de plus émouvant, et qui pourtant n’apparait vraiment au premier plan que dans les magnifiques segments de l’actrice américaine et du père. Ces deux morceaux se suffisent à eux-mêmes, le reste étant d’une beauté indéniable, mais aussi d’une maîtrise formelle qui confine à la froideur, pour un film qui aurait pu durer une heure de moins.

Après une ascension rapide des marches de la réalisation, Fellini n’avait plus qu’à se baisser pour ramasser la rançon d’une gloire bien assise qui lui permit de s’élever, parfois contre des personnages importants, dans la création de ce qu’on considère comme son chef d’œuvre. Ayant fâché De Laurentiis sur des questions de casting au point de perdre sa collaboration, il devait être plutôt sûr de lui. C’est ainsi que le réalisateur qui avait séduit le Vatican avec La Strada s’est pris des sacs d’opprobre de la part du siège pontifical pour sa révélation orgiaque et détaillée de la vie chic romaine.

En fait de l’aristocratie et malgré les apparences, c’est le paparazzo que Fellini cherche à étudier avant tout. Le film est d’ailleurs responsable de l’entrée du mot dans le vocabulaire international ; en dialecte, le ”paparazzo” était le moineau, et Fellini en voyait des nuées dans les essaims néfastes de cette génération nouvelle de journaleux voyeuristes.

C’est facile de croire reconnaître a posteriori la vocation des films de Fellini, car il a toujours collé à son temps avec tellement de pertinence qu’on a tendance à négliger, avec le recul, son quasi-prophétisme, quoique le réalisateur a dû être soumis personnellement de façon assez violente à la pression médiatique des paparazzi, étant donné son parcours. J’ai cependant l’impression que personne n’était conscient, à son époque, du phénomène dépeint par le réalisateur. Je me demande s’il ne s’est pas surpris lui-même.

En tout cas, son paparazzo est un parasite bien familier, et 1960, c’est tôt pour parer cinématographiquement le journalisme de son chic pour harceler les gens. Avant guerre, on dessinait encore et surtout des caricatures, et voilà soudain que l’appareil photo est démocratisé (quatorze ans après le régime) entre les mains d’employés payés au rendement. Leur objectif, subjectif, se glisse dans une intimité nouvelle que peu osent encore codifier – on commençait à peine à brandir timidement le droit à l’image face aux moineaux.

À l’inverse, la caméra de Fellini, neutre et peu mobile, se place naturellement en amont de ce braconnage imagier, dans une posture qui nous frappe telle celle d’un véritable journaliste comme elle sert à transmettre les méthodes du confrère intrusif, restant par là même d’actualité pour nous rappeler à l’existence persistante de la profession.

Dans les années 1950, grâce à cette inquisition moderne, insidieuse et commerciale qui était peut-être le symptôme inconscient du manque de divertissement causé par le recul du septième art depuis la guerre (on peut rêver, hein), on venait de comprendre que les stars étaient des humains comme les autres. Ce fut une réalité qui tomba comme un cheveu bien peigné sur la soupe populaire sur fond de mentalités bouillonnantes, faisant oublier de traiter ces êtres humains comme tels, tout célèbres qu’ils fussent (proposition 1 : le paparazzo est immoral), pendant que d’autres, des anonymes n’ayant rien demandé à personne, étaient sacrifiés sur l’autel du fanatisme médiatique par la misère dans un silence cruel, augmentant les disparités que le paparazzo se contentait jusque là de constater et d’exploiter (proposition 2 : le média est injuste).

En bref, on comprenait l’intérêt de globaliser l’information, alors on commençait de souffrir qu’elle ne le soit pas toujours. Pour exprimer ce manque-ci et exorciser ces deux propositions populaires-là, imbriquées et résolument anti-médiatiques, on ne pouvait que soutenir le média dans l’espoir (voire le désir) de s’y voir représenter avec une ferveur égale à celle qui fait venir les larmes aux yeux des fidèles devant la Vierge Marie – toutes choses que Fellini représente, car je m’attache à rester dans la pertinence analytique malgré les rameaux d’apparence digressive qui commencent de l’envahir et dont je m’excuse. Il faut dire que c’est inspirant de voir comment le média est devenu une religion, et comment il s’est mis à assurer la survivance du paparazzo en sa qualité de moine vicieux du culte capitaliste.

Bref, rien n’a changé sous le soleil, si ce n’est le soleil lui-même : Fellini a tourné une scène sous une pluie artificielle qui, si elle est un des témoins de cette époque technique cafouilleuse avec ses fonds défilants qui tremblent, démontre que, s’il a perdu en poésie avec un tournage plus lourdement usiné, il dit toujours ce qu’il veut dire à la hauteur de ses moyens.

Mastroianni, quant à lui, est prêt à se mouiller sous cette pluie comme sous d’autres, plus symboliques, afin d’incarner le paparazzo désillusionné à qui l’on demande si le néoréalisme est mort, à lui qui l’incarne sans bien comprendre, puisqu’il travaille à peine, que sa profession est ”du vent” – lui dit-on. L’essence du film repose dans la creusité de ce métier qui le transforme en philosophe amer et en pique-assiette frustré. Il fréquente les hautes sphères, là où on brasse plus d’air qu’ailleurs par manque d’oxygène et que le vice est une distraction, au point qu’on oublie – je le redécouvre en illustrant l’article – que c’est l’histoire de deux personnages principaux, pas d’une foule informe.

Bien sûr qu’il fallait fâcher le Vatican ! Bien sûr qu’il fallait confronter la censure espagnole ! – ça fait toujours une alliance de facto avec un Buñuel qui se ferait interdire par Franco un an plus tard pour sa Viridiana. Et heureusement qu’un casting aux multiples fanions était prêt à défendre un art encore trop peu commercialisé pour rechigner à représenter une Rome revenue par le mercantilisme à la décadence de feu son empire, où les médias sont la nouvelle oligarchie ointant d’influence ceux dont le sens des réalités est le moindre.

La Dolce Vita m’a un peu déçu dans la recherche parfois linéaire et répétitive qu’il fait de sa myriade de locations (plus de 80 décors construits), quoiqu’on y ressente avec justesse le bonheur tristement létal de la richesse : se suicider alors qu’on est célèbre ? C’est ridicule, s’exclame-t-on depuis que, toujours grâce au paparazzo, on lit ce que des gens écrivent sur ce que d’autres font. Ces intermédiaires sont déconstruits par Fellini devant un commun des mortels qui en apprend en même temps l’existence : le film semble chercher vainement sa symbolique, mais en a-t-il besoin quand le sujet en déborde ?

Ironie suprême après des décennies de paparazzisme, Mastroianni nous choque encore aujourd’hui par ce qui sort de sa bouche et de sa prestation. Anouk Aimée reflète l’hypocrisie sexuelle de ce qu’il était encore trop tôt pour exprimer sans fard à l’écran, tandis que lui se charge d’incarner l’hypocrisie (non septième-artistique, celle-là) d’une bourgeoisie encoquinée : on peut faire et on ne doit pas dire.

Fini le bouquet émotionnel final des premières années Fellini : après presque trois heures, n’importe qui fatigue du noir et blanc et l’on se surprend à vouloir retrouver le monde des couleurs, alors on se donne le temps de se figer sur l’innocence rafraîchissante du regard caméra d’une jeune femme, tellement apaisant, si profondément normal, et j’ajouterais même : étrange parce qu’il est consenti, pas volé, que c’est un coup d’œil jeté de bonne grâce à l’objectif comme ni le cinéma ni le paparazzisme ne peuvent normalement en capturer. Après l’insupportable débauche cryptique subie à travers le regard d’un Mastroianni qui ne sait plus de quoi il a besoin et même si l’on s’est ennuyé au début du troisième tiers de l’histoire, on se sent tout à coup vidé de toute substance.

On passe au générique et on se donne le temps de réfléchir à la vie mise en boucle des aristos et des stars, et à leurs rémoras de gratte-papiers qui s’enferment tout seul dans une telle boucle pour donner l’illusion à d’autres qu’elle n’existe pas. Et on se dit que le monde aurait bien besoin d’un nouveau Dolce Vita.

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Grand classique du cinéma italien, ce film de Federico Fellini ayant remporté la Palme d’or du festival de Cannes en 1960 reste néanmoins une énigme. En effet, la qualité de la mise en scène et le talent de Marcello Mastroianni ne peuvent combler la prétention du scénario. A travers les errances d’un journaliste qui cherche à donner un sens à sa vie, le récit contient une succession de saynètes plus ou moins inégales. Malgré le portrait d’une aristocratie décadente et de tous les vautours qui volent autour, les longueurs s’enchaînent sans que l’on parvienne à saisir le véritable message du réalisateur. Bref, quelques scènes cultes pour un contenu parfois proche de la vacuité.

La Dolce vita est une chronique du désoeuvrement et de l’ennui à des années lumières d’un laborieux normalisé par ces innombrables fenêtres incluses dans des tours immenses poussant comme des champignons dans des matins blêmes.

On montre sa différence par une décapotable dernier modèle, symbole de la capture d’un ciel ouvert, pas de contraintes d’horaires pour ces fantomatiques épicuriens pour qui le jour est le début de la nuit.

Certains de ces nouveaux Vitelonni toujours festifs semblent recyclés dans une nouvelle composante que représente la traque de ces stars propulsées vers la gloire qu’ils faut sans cesse fragiliser en fournissant les ingrédients de leurs chutes à une meute de photographes toujours à l’affût d’une implacable paire de gifle distribuée à une déviante assaisonné d’une petite correction à l’amant de passage couronnant le machisme d’un mari hors norme par sa naïveté de croire que tout est durable dans un tel milieu.

Marcello Rubini produit type de ces longues nuits ne pense qu’a conclure cigarette au bec, malgré les rappels à l’ordre musclés de sa compagne Emma son schéma reste identique se propulser par un automatisme plutôt que par un véritable ressenti stable et durable dans le temps.

Toutes ces femmes ne sont que des fantasmes, la suivante aussi sublime que la précédente positionne Marcello comme un éternel insatisfait. Ces corps identiques ne sont qu’un palais des glaces. L’alimentation inutile d’un répétitif.

Rome semble appartenir à ces exclus du quotidien, on se baigne en pleine nuit, le ridicule n’est pas perçu, il est encensé par un second terme « Liberté ».

La condition humaine semble carnassière, il faut séduire et dominer dans une sphère ou tout s’évapore après usage. Les rocks and rolls s’exécutent dans des fêtes improvisées ou chacun se lâche en repoussant au maximum dans le temps l’obscurité d’un sommeil.

Marcello centre de gravité équilibre les différents poids que représentent ses dérives et ses rachats. Le cynisme et le désespoir sont distillés dans des comportements ne menant nulle part.

Pour ces existentialistes la normalisation est un gouffre, le soporifique ambiant de leur contexte en est certainement un autre.

La Dolce vita est une île ou l’on refuse un quotidien démolisseur synonyme d’usine à vie, ces immeubles ouvriers ne sont contemplés que de loin, ils sont la toile de fond d’un univers qu’il faut constamment fuir par ses excentricités.

De prime abord on est consterné par la vacuité et la suffisance des dialogues et des personnages. Par exemple, Marcello s'extasie devant Silvia qui se baigne dans la fontaine de Trevi: "Oui Silvia, oui je viens moi aussi, je viens te rejoindre, oui c'est toi qui a raison, Silvia, nous avons tous tort, c'est toi qui a raison (...) Silvia qui es-tu?". Ces propos sont creux et abscons, pour autant prétendent clairement vouloir dire quelque chose. Steiner (Alain Cuny) devant une toile assez banale:"On peut dire qu'ici l'artiste n'a rien laissé au hasard tu ne trouves pas?" Les personnages ont la prétention d'être intellectuels mais ne décollent jamais de la superficie. On finit cependant par comprendre que tout ce verbiage n'est pas le message du film, qu'il est le symptome d'une aristocratie mondaine décadente. Pour autant, on est à l'opposé d'une satire comique. Il s'agit bien d'une tragédie. Ses protagonistes sont désespérément seuls, égoïstes, absurdes. Le film est lui-même loin d'être un film facile, contrairement à ses personnages. De nombreuses saynètes le composent, sans véritable lien hormis la présence de Marcello, mais qui se font écho les unes aux autres. Par exemple, la présence divine revient fréquemment: christ en croix, apparition de la vierge, la raie géante à la fin du film. Le christ et les paillettes sont rangées au même niveau. Le thème de la mort est récurrent: Roberto photographié dans sa voiture, la tentative de suicide d'Emma, le suicide de Steiner... Le sens du film, comme celui de la vie, n'est pas clair. Il faut aussi s'accrocher pour différencier les personnages, particulièrement les féminins, dont la plastique est formatée.
Sur le plan artistique, il convient également de noter la photographie bien particulière et la mise en scène travaillée (au-delà de son aspect purement scénaristique comme évoqué ci-dessus). Le jeu sur l'espace est splendide, avec un travail sur la lumière et la géométrie; la disposition des personnages est souvent étrange: personnages quasiment bord cadre, champs contre champs alors que les personnages sont filmés de profil. Tout est mis en oeuvre pour démontrer que les protagonistes ne se parlent pas vraiment, ils ne font que se cotoyer. C'est d'ailleurs clairement établi lors de la scène de ménage en voiture - très caustique.
La Dolce Vita peut donc être rangée parmi les chefs d'oeuvre, pour sa qualité à faire parler et analyser le spectateur des heures durant, même si film repose sur la vacuité intellectuelle de ses personnages pour mieux se faire sombre et pessimiste.

Le specimen le plus abouti de la suite logique du cinéma réaliste italien, à savoir l'interrogation intérieure de l'individu et son choix de vie. On suivra donc ici les pérégrinations d'un journaliste-écrivain dans la société romaine pour ne pas dire italienne, lesquelles pérégrinations nous le montrent observateur, interrogateur vis-à-vis de lui-même, puis décidément jouisseur. Le film est constitué d'une série de sketches enchaînés les uns aux autres par le fil conducteur qu'est le personnage principal. Les quasi trois heures passent vite, car le charme fellinien opère sans faillir. Mastroiani y est aussi pour quelque chose. Accessoirement il s'agit-là d'un document exceptionnel sur l'Italie et la Rome des années de reconstruction. Un des classiques du cinéma mondial.

Très bon film de Federico Fellini ! La mise en scène est très douce et belle (comme d'habitude chez Fellini), le rendu visuel est excellent, les personnages sont attachants et bien travaillés... c'est vraiment une bonne surprise. Surtout que le thème traité (les méfaits des médias) était inédit à l'époque. 'La Dolce Vita' est le genre de long-métrage qui vous fera rêver, et voyager. Je vous conseille de le visionner au moins une fois !

La MACU – Maison de la Culture d’Amiens – nous a offert 4 Fellini en version restaurée dont « La dolce Vita » tournée en 1960 … soit 18 ans après « Les Vitelloni » alors qu’elle en est clairement la suite avec une composante autobiographique majeure. Franco est le seul des 5 « veaux » à avoir osé fuir l’ennui de Rimini, pour découvrir Rome sous les traits d’un journaliste interprété par Marcello Mastroianni dont c’est la première apparition au côté de Fellini et qui avec les partitions de Nino Rita va faire exploser le cinéma italien avec une série de chefs-d’œuvre inoubliables.
Marcello Rubini arrive donc à Rome et va essayer de glaner de ci de là des scoops notamment dans la célèbre avenue commerciale de Rome, la via Veneto, en plein essor après la guerre et avec la reprise économique, lieu apprécié des américains célèbres et fortunés d’où la quasi-omniprésence des paparazzi. Marcello va participer à 4 fêtes montrant à la fois la renaissance de Rome mais aussi la décadence d’un certain style de vie et finalement une certaine amertume face à une Rome devenue une nouvelle Babylone peut-être vouée à la décadence. Ces 4 fêtes sont tournées sous forme de sketchs de durée et de qualité assez variable mais il convient de noter les excellentes prestations de 2 de nos compatriotes : Anouk Aimée et Alain Cuny.
La scène la plus célèbre est bien sûr le bain de minuit de Sylvia (Anita Ekberg), grande star de Hollywood, dans la fontaine de Trevi et j’avoue que lorsque je suis allé à Rome, j’ai été déçu par la taille de cette fontaine … qui en fait avait été reconstituée dans les fameux studios de la Cinecitta tout comme la via Veneto.
Un film dont on peut ne pas tout aimer mais qui marque assurément un tournant dans le cinéma mondial.

Premier Fellini observé, réaction mitigée. Si la réalisation et tout le travail qui va avec, décors, personnages, scénario sont très soignés, on n'a du mal à rentrer pleinement dans l'histoire, on est plus du côté de la représentation d'un spectacle bourgeois assez ennuyeux que dans l'émotion, d'ailleurs on n'est jamais vraiment en sympathie avec aucun des personnages, problème d'identification. Pour ce qui est de la forme, le travail en "tableaux" est remarquable et fait paraître le film moins long, belle prouesse. Certains "tableaux" m'ont plus fasciné que d'autres comme celui avec l'actrice américaine (Anita Ekberg), la rencontre avec la famille de Steiner où l'on ressent bien le malaise, ou encore avec le père de Marcello. Le reste il y a quelque fois de l'ennui. Mais le film, et c'est ce qu'on retient vraiment, est tout de même beau, j'ai adoré les plans dans ce château abandonné où les bourgeois s'adonnent à l'orgie et ce plan final sur le visage innocent de la jeune fille. C'est donc un film à voir pour sa culture personnelle, je pense qu'il est largement surestimé mais je me ferai peut-être un autre avis à une nouvelle vision. En attendant un autre film de Fellini.

Fellini filme ici la décadence et les perspectives d'avenir avec un cynisme et un réalisme implaccable ! 2h40 qu'on ne voit pas, ou presque (l'avant dernière sèquence qui dévoile la dernière fête est un peu longue, mais si précieuse quant à sa capacité à capturer les moments de desespoir et de chaos qu'on accepte finalement qu'elle se traine un peu). La scène finale est bouleversante et clore un film subtile de long en large, filmant le comportement humain avec une vision noire et inquiétante et dressant un film qui reflète de A à Z son époque, et qui a réussit à l'immortaliser sur grand écran. L'authenticité n'a jamais été aussi grande, et c'est pourquoi cette Dolce Vita de Fellini, qui bien sur n'en est pas une, est un des plus grands films italiens de son époque, mais aussi de tout les temps !

Une jolie peinture, ciblée sur une caste, comme on en voit beaucoup dans le cinéma. Fellini s'inspire de son entourage comme Tolstoï le faisait du sien pour Guerre et Paix, même si le réalisateur n'a bien sûr pas autant de talent. Mais peut-être Fellini a-t-il d'ailleurs trop tenu à faire un film accessible à tous, qui de fait manque de profondeur et dont les idées se répètent.
Seul quelques passages éclairs et la dernière demi-heure sont virtuoses dans la psychologie des personnages, avec un personnage Steiner (rôle secondaire) très réussi, un peu comme le vieux poète dans Martin Eden de J. London.
Brel disait : "je ne dis pas que la femme est méchante, je dis que l'homme est con"; cette phrase traduit à peu près la partie intéressante du film, celle qui laisse de côté les sarcasmes puérils sur une haute société italienne dont tout le monde aurait pu se moquer. Un intérêt uniquement dans l'agencement des personnages, le reste n'est pas exceptionnel.